Constru y e n d o foto grafías

Where We Come From

2012-02-14T06:04:00.002-08:00

Es el título de otro de los trabajos de la artista Emily Jacir realizado en el año 2003 junto al "Diario de Linz"que comentamos anteriormente .

Where We Come From es uno de sus trabajos más conocidos y que aborda con una propuesta artística llena de deseos inalcanzables de cientos de exiliados palestinos. Jacir consciente de su origen palestino y de la fortuna de poseer una pasaporte americano, que le permite moverse sin dificultad entre los territorios afectados por el conflicto político palestino israelí, plantea hacer realidad los deseos de algunos palestinos que no pueden volver a sus hogares.

La imposibilidad de acceder al espacio donde uno ha nacido y es considerado como su hogar es descrita como una forma de mutilación en el que despoja al individuo de un contexto que le es propio de algún modo. Es evidente la importancia de ese vinculo social y cultural que se crea en los espacios donde uno ha nacido y vivido,donde permanecen vivos todos los recuerdos y las raíces de cada individuo. La necesidad de Jacir por crear una conexión entre la tierra prohibida y la tierra prometida nos hace sentir y entender esa separación forzosa entre el ser humano y su tierra natal.

Jacir recoge peticiones escritas de palestinos exiliados para conseguir hacerlas realidad. Resulta curioso comprobar como gran parte de esos deseos son hechos banales de la vida diaria y que de algún modo buscan esa proximidad y cotidianeidad con un entorno que sueñan con que fuera el suyo propio. Los textos están traducidos al inglés para que ese texto no sólo sea el deseo del que lo escribe, sino porque este fragmento de texto también forma parte de una propuesta artística y cualquier espectador pueda enfrentarse a él como obra.

La respuesta visual a esta petición se traduce en una fotografía que Emily realiza como prueba de que ese deseo esta cumplido. Pienso que escoger la fotografía como medio visual para hacer realidad ese deseo tiene una doble intención.
Por un lado la fotografía es una representación de esa realidad que inconscientemente le aportamos una veracidad, es el documento visual que prueba que ese deseo se ha hecho realidad. Por otro lado la fotografía es evocadora de recuerdos y es como crear una imagen para incorporar al álbum familiar donde están guardados todos esos momentos especiales que has vivido y que al contemplar la imagen quisieras revivir.

La artista presenta conjuntamente los textos y las imágenes que representan esos deseos ya cumplidos. La fotografía es al mismo tiempo un documento, un recuerdo y una imagen construida a partir de la performance de una artista.

Empatizar con los sentimientos de quienes lo escriben es entender la distancia que separa el texto y la imagen y que como espectadores con un simple movimiento de ojos conseguimos satisfacer esos deseos que se convierten en propios. La repetición de esos textos y de las imágenes permiten al espectador de la obra interconectar todas las historias para llegar a entender cómo se siente al no poder moverse y vivir alejado del lugar que forma parte de uno.
Aquí os dejo algunas imágenes que forman parte de la misma obra para que podías conectar entre sí las diferentes imágenes que narran deseos hechos realidad.

Fuente de las imágenes de la obra Where We Come From de Emily Jacir

Desire in Diáspora: Emily Jacir. Art Journal 62, nº4 (Winter 2003)

El diario de Linz

2012-02-04T13:59:00.000-08:00

Después de unas semanas de ausencia, vuelvo de nuevo a mi compromiso de actualizar el blog y traer información sobre artistas y proyectos fotográficos de interés.

"Observados" era la muestra fotográfica que se presentaba hasta hace unas semanas en la sala de exposiciones de la Fundación Canal de Madrid. Esta misma muestra también ha sido expuesta en el Museo de Arte Moderno de San Francisco durante el año pasado.

La exposición reunía fotografos/as bien conocidos/as como Walker Evans, Cartier Bresson, Helen Levitt, Sophie Calle, Robbert Mapplethorpe y Miroslav Tichy entre otros. Sin embargo, para este post voy a hablaros de una artista no tan conocida y que su trabajo me llamó especialmente la atención. Se trata de Emily Jacir, una mujer palestina y americana con una trayectoria artística más que consolidada. Jacir utiliza la fotografía en sus proyectos artísticos aunque no se trata de una fotógrafa sino de una artista que utiliza la imagen de un modo especial. Detrás de cada una de sus fotografías hay un gran proyecto que juega con lo artístico y lo narrativo mostrando una evidente preocupación por la situación de Palestina como en "Where We Come From"(2003) del que hablaré en otra ocasión.

"Diario de Linz" era la obra de Jacir que se incluía en la sección de vigilancia de la exposición "Observados" . La obra contiene una serie de 26 imágenes de 20 x 20 cm tomadas desde una webcam, concretamente de la webcam de Linz. Las 26 fotografías colocadas en dos filas son 26 imágenes de la misma plaza de la ciudad austriaca y desde el mismo punto. La mayor parte de las imágenes fueron tomadas a las 18 horas , a excepción de dos de ellas a las 17 horas y a las 12 horas. Casi de un vistazo piensas que se trata de la misma imagen repetida, sin embargo, cada imagen es diferente pues la luz y los detalles de la imagen revelan que se trata del mismo espacio en diferentes momentos del día. Podíamos dejarlo aquí, sin embargo, la clave para la comprensión de esta historia está junto al texto que acompaña cada imagen. Emily se fotografía conscientemente a la misma hora en el mismo sitio aunque en posiciones diferentes durante los meses de octubre y noviembre de 2003. El pequeño texto de cada imagen se lee como una historia que nos seduce y nos va contando anécdotas, historias del lo que pasa en ese lugar y como se siente mientras tratamos de identificarla entre las personas que aparecen en la imagen.

La verdad es que me llamaba la atención no sólo la imagen, sino como ese texto puede transformar y conducir la significación de cada una de esas fotografías. En otra ocasión he hablado sobre esta relación entre texto e imagen y sus posibilidades. Sin embargo, aquí convierte la imagen en algo bien distinto alguien que quiere verse vigilado y hacernos partícipes de todo lo que sucede mientras tanto. Habrá quien prefiera dejar una imagen sin palabra para que sea el espectador el que la interprete a su modo y también quien crea que ese texto que acompaña a la imagen la convierte en una imagen con una narración original y propia. El espectador comprende el mensaje del artista pero al igual que en la poesía sigue siendo libre de apropiarse de lo que le interese.

Para terminar con la obsesión de Emily Jacir sentía curiosidad por ver ese espacio aunque fuese virtualmente. De modo que he encontrado una imagen desde la que se puede apreciar desde donde fueron tomadas esas fotografías de Emily en Linz. Os dejo averiguar donde podría estar esa cámara.

- "Observados" en la Fundación del Canal de Isabel II

-"Exposed. Voyeurism, Surveillance, and the Camera Since 1870" en el Museo de Arte Moderno de San Francisco.

"Letter on the blind.For the use of those who see"

2012-01-09T13:22:00.000-08:00

Aunque este blog se centra en la creación de fotografías quisiera comentar el trabajo "Letter on The Blind. For the use of those who see". Una película de 16 mm en blanco y negro, de 27 minutos de duración realizada por el artista venezolano Javier Téllez y que bien seguro entenderéis la conexión e interés que tiene para la construcción de imágenes.

Os introduciré brevemente a Javier Téllez, artista venezolano que desarrolla propuestas colaborativas junto con pacientes de diferentes centros psiquiátricos a los que regala una propuesta o idea creativa con la que trabajar conjuntamente para genera una nueva creación. La infancia del artista discurre en contacto con la enfermedad mental y el museo, lo que ha propiciado que Téllez desarrolle su obra bajo esta otra mirada.

Generalmente su trabajo se inspira en la narrativa de piezas cinematográficas o literarias, las cuales transforma en una nueva obra contada y creada conjuntamente. Aunque en muchas ocasiones se hace mención a clásicos del cine y a la enfermedad mental, en este post hablaremos de la invidencia y la creación de imágenes con la obra "Letter On The Blind.For the use of those who see".

Téllez tomó como título, la obra con el mismo nombre de Denis Diderot en la que plantea la cuestión de la percepción a través de otros sentidos y cómo distinguirlo que es arte y lo que es real. Al mismo tiempo Téllez utiliza el cuento oriental del elefante y los seis ciegos para la representación de esta obra. Aunque no me detengo aquí en contarlo , bien merece su lectura.

La versión contemporánea se desarrolla en el parque Mc Carren de Brooklyn en donde Téllez reune a seis ciegos y a un elefante. Durante el vídeo se puede ver a los seis ciegos sentados delante del animal en espera de su turno para "experimentar sensorialmente" y conocer a un elefante de verdad. Uno a uno se van aproximando para tener su experiencia real con el animal. Se repite esa parábola asiática en la que cada uno tiene su forma de experimentar, de describir e interpretar esa realidad. Me llama la atención como el carácter y la actitud de cada uno de los individuos influye notablemente en la forma de percibir lo desconocido. Se pueden ver distintas formas de aproximarse, de contemplar aquello que tenemos delante a través de nuestros sentidos y de generar una imagen mental sobre lo que apreciamos. Hay quien termina pensando que se ha tratado de una experiencia agradable o desagradable aún tratándose de lo mismo.

En el vídeo se puede ver como cada uno de los ciegos va describiendo esa experiencia mientras entra en contacto con el elefante. Además de las descripciones que hace cada uno resulta clave la voz en off en donde cada uno resume su experiencia en una frase.

Uno concluye que no fue un sentimiento agradable mientras otro de los ciegos pensaba que mientras lo abrazaba sentía el cuerpo del elefante como si se tratase de las olas del mar. No hay duda de que la percepción sensorial construye una imagen visual sobre lo percibido aunque la información no haya sido experimentada a través de la visión.

Os recomiendo ver el documental del artista para conocer más sobre su obra y otro post sobre el artista en el siguiente blog.

Más información:

Más sobre esta obra de Javier Téllez.

MUSAC

Galería Peter Kichmann

PH15

2011-12-28T06:26:00.000-08:00

Es una organización sin ánimo de lucro que trabaja con la fotografía como herramienta de cambio social en barrios desfavorecidos de Argentina.

El pasado año estuve en una conferencia sobre proyectos de fotografía social en la Fundación La Caixa donde Moira Rubio, actual directora de ph15, explicaba el proyecto social.

Comenzó por el significado del nombre de la organización.

Ph: photography en inglés es la escritura con luz. La fotografía como medio o lenguaje de expresión artística con el que chicos y chicas de Ciudad Oculta tienen la posibilidad de expresarse y conocerlo de cerca, bien a través de talleres y propuestas artísticas. El grupo ph15 cree firmemente que la fotografía sirve como elemento positivo en el desarrollo social, psicológico y humano de los niños y niñas que viven en contextos desfavorecidos, convirtiéndose además en una herramienta de cambio social. Ph15 es un proyecto que nace precisamente en la villa 15, una de las villas marginales de Buenos Aires en Argentina.

Ayelen Duarte

El trabajo de la asociación no sólo se encarga de impartir talleres de fotografía y vídeo para los habitantes de la villa 15, sino que además de los contenidos fotográficos, potencia la autoestima para un adecuado desarrollo del individuo. La educación en ph15 trata de implicar a todos sus participantes en el conocimiento y trabajo con la imagen para posibilitarles un futuro en el mundo de la fotografía o bien para convertirse en colaboradores y formadores de la propia asociación. Resulta significativo como la asociación es capaz de gestionar la formación a formadores tratando así de dar continuidad al proyecto y extendiéndose a otro tipo de contextos desfavorecidos del país.

Me gustaría comentar en qué consiste la formación de estos talleres y la planificación de sus sesiones para el conocimiento fotográfico.

El trabajo de ph15 incluye talleres monográficos de fotografía donde uno aprende a manejar una cámara fotográfica, a crear una cámara estenopéica y a conocer como es el proceso analógico del laboratorio fotográfico.

También se desarrollan otro tipo de propuestas a través de la fotografía con un contenido más etnográfico como es conocer las religiones que habitan la villa, o más medioambiental fotografiar el espacio urbano y conocer el uso de esos espacios en el barrio.

Algo que me parece interesante dentro de este proceso de enseñanza de la fotografía, es tener una puesta en común del trabajo fotográfico final realizado por cada uno de los participantes de los talleres. No resulta nada fácil hacer una crítica de las fotografías tomadas por uno mismo y de las de los compañeros. El objetivo es valorar el trabajo propio y el ajeno con ánimo de compartir modos de ver e intercambiar ideas sobre como mejorar futuras imágenes. En la puesta en común se aprende a ver fotografías a través de la mirada del otro y descubrir cosas nuevas en un contexto que aparentemente tiene pocas oportunidades de aprendizaje.

Aquí os dejo algunas de las imágenes de los chicos y chicas de la villa 15 tomadas de ph15.

María González

Pablo Danese

Yamila

Belén

Sasha Sánchez

Para más información:

Ver otras obras de chicos y chocas de PH15

-La Plata:

"Programa de Fotografía y Acción Social"

Muestra de talleres de Altos de San Lorenzo. Fotografía y acción social.

A travel without Visual Experience (#4)

2011-12-16T16:33:00.000-08:00

Esta obra pertenece a la exposición colectiva de fotografía "El poder de la duda" que se celebró en el Museo de la Fundación ICO con motivo de PHE 2011. Aunque la exposición terminó en septiembre me gustaría hablar sobre una de las obras que conecta perfectamente con la tesis que estoy realizando. Para comenzar os voy a describir cómo se presentaba la obra en la sala.

"Viajar sin experiencia visual (4#)" de Pak Sheung Chuen consistía en una instalación a la que se accedía a través de una cortina negra con un mensaje impreso.

Este mensaje toma sentido una vez que cruzas la cortina ya que en su interior no vemos en un principio nada, nos adentramos en la más completa oscuridad como ocurre en la instalación How It is? de Miroslaw Balka . Cuando entras en la gran caja de Balka sientes la oscuridad cada vez más presente que incluso llega el punto de desorientarte al caminar. Sin embargo, en la instalación de Pak es más bien al inicio cuando sientes la oscuridad, después la vista se va adaptando a las nuevas condiciones de luz y donde no se veía nada se comienza a sentir el espacio en el que estamos. Con la escasa luz que entra en el abrir y cerrar de la cortina de entrada, se percibe que nos encontramos en una sala llena de fotografías aunque resulta imposible apreciar por la ausencia de luz. Es entonces cuando la cámara fotográfica aparece y hay que fotografiar para mirar ya que el ojo no puede ver.

Estas son algunas de las fotografías que tomé en el interior y vemos que se trata de una pared llena de fotografías en la que aparecen retratos y detalles de rincones de algún lugar como los de las fotografías de viaje en el que miramos de forma peculiar a todo lo que nos rodea y lo fotografiamos.Llama la atención el papel de la pared tratando de imitar al de un espacio familiar más que el de una sala de exposiciones.

En esta instalación tenemos que mirar las fotografías a través de nuestras propias fotografías realizadas en la oscuridad. Esta misma invitación que sugiere el artista al espectador en la visita coincide con el concepto real de la obra. Hacer ver al espectador un espacio desconocido e inapreciable a través de la cámara fotográfica.

Según Pak Sheung "Con la intención de presentar mi experiencia como un viajero ciego tomando fotografías, he montado una habitación completamente oscurecida para mostrar las fotografías tomadas en Malasia. Los espectadores deben llevar sus propias cámaras para poder capturar las imágenes dentro de la habitación y visualizarlas al salir de ella"

Travel without a visual experience (#4) se realiza en su viaje a Malasia en el año 2008 que durante cinco días y cuatro noches se cubrió los ojos convirtiéndose en invidente. Este viaje sin visión comenzó en el trayecto de Hong Kong a Malasia y concluyó a su vuelta a Hong Kong. Su madre hizó de persona guía durante todo el trayecto y a la que podemos ver fotografiada por Pak con el rostro cortado en una de las imágenes anteriores.

Durante el viaje por Malasia, Pak siguió los itinerarios turísticos marcados tomando fotografías de todo aquello que le llamaba la atención y documentar fotográficamente los lugares que no podía apreciar visualmente pero que en su regreso a Hong Kong pudiera apreciar. Otros miembros del grupo también se encargaron de documentar con fotos y vídeo el viaje, pero desde la mirada del vidente. Además estas personas se convertían en espectadores de Pak y podían describir visualmente como le veían. Pak era fotografiado en los lugares típicos al igual que esas fotos que dan testimonio de nuestra presencia en los lugares visitados.Esta fotografía es un buen ejemplo y en la que se puede ver al artista posando delante de una iglesia rosada y en la que aparece también su madre.

Las fotografías de la instalación son una muestra de esa documentación visual tomada por los compañeros de viaje videntes y por Pak sobre el viaje. La colección de imágenes va acompañada de recuerdos y sensaciones invisibles. A la vuelta del viaje Pak tenía la sensación de no haber viajado nunca a Malasia, pero al cerrar los ojos inmediatamente la memoria reconstruía la experiencia.Se había construido un relato del viaje desde una mirada no visual.

El sonido se ha convertido en la referencia sensorial del viaje ya que a través de los sonidos me imaginaba otros viajes y recuerdos que me permitían recrear las imágenes que no veía y construirlas así mentalmente.

Lo interesante son las sensaciones y comentarios de Pak al observar toda esa documentación visual recogida. Al ver todas aquellas fotografías las sensaciones y percepciones del viaje surgen a través de las imágenes. Según Pak cuando apretaba el disparador tenía una imagen mental creada en mi cabeza y cuando después las veía imaginaba lo que me rodeaba en ese momento. La percepción del espacio y del cuerpo utiliza registros diferentes. El cuerpo sin visión también es capaz de registrar el mundo exterior.El sonido, el tacto de los pies y el suelo debajo de ellos. Sin duda la memoria y la imaginación se convierten en el experiencia de este viaje.

Catálogo de la exposición:VVAA(2011): El poder de la duda.Fundación Ico. Madrid: La Fábrica.

Más información sobre A travel without Visual Experience (#4)

Página web de Pak Sheung Chuen

El retrato ganador

2011-12-02T03:47:00.000-08:00

Jooney Woodward ha resultado el ganador del conocido concurso de retratos fotográficos The Taylor Wessing Photographic Portrait Prize 2011 de entre las seis mil fotografías participantes que organiza la National Portrait Gallery de Londres, donde se realiza también la exposición de las fotografías seleccionadas y premiadas en el concurso.

Harriet and Gentleman Jack lleva por título la fotografía de Woodward que tomó en un evento parecido a las ferias temáticas que se realizan en los recintos feriales en España y que en este caso tuvo lugar the Royal Welsh Agricultural Show. La adolescente vestida con bata blanca es azafata de ese evento y lleva en sus manos un conejo de indias. La fotografía funciona por el color de pelo de ambos y sobre todo por ese gesto de la adolescente y cómo nos mira fijamente a través de la cámara.

Añado aquí un comentario de Woodward:

"I found her image immediately striking with her long red hair and white stewarding coat. She is holding her own guinea pig called Gentleman Jack, named after the Jack Daniel’s whisky box in which he was given to her. Using natural light from a skylight above, I took just three frames and this image was the first. There is something unsettling about the austere background and the scratch on her hand."

Después de ver esta fotografía ganadora, me preguntaba cómo serían las fotografías ganadoras de ediciones anteriores. A lo mejor para tratar de encontrar algún nexo entre las fotografías ganadoras, algo que las relacionara y entendiera qué es realmente lo que hace que sean estas las mejores fotografías.

En la edición pasada del 2010 fue David Chancellor el ganador Huntress with Buck en la que aparece también una adolescente pelirroja como en la anterior. En esta fotografía también hay animales aunque en este caso pertenecen a una escena de caza en la que ella tiene los cuernos del animal muerto en sus manos y tanto el animal cazado y la adolescente están montados sobre un caballo que mira y su gesto parece ser consciente de la presencia de una cámara fotográfica. Nos miran a través de la cámara y sus gestos nos sorprenden.

Según Chancellor: "The contrast between the peace and tranquillity of the location, plus Josie’s ethereal beauty and the dead buck, was what I wanted to explore. Here was a vulnerability and yet also a strength."

Y cómo último ejemplo he encontrado el primer premio del 2009 que fue para Paul Floyd Blake por la fotografía "Rosie Bancroft" imagen del proyecto"On Track for 2012".

Blake comenzó este proyecto en 2007 con la idea de fotografiar la evolución de posibles jóvenes atletas de los Juegos Olímpicos de Londres en 2012.Cada año hasta la fecha de la celebración del evento, Blake fotografía las fotografía en el camino de esa doble carrera olímpica y personal. Según Blake fotografiar a estas jóvenes promesas del deporte sirve para mostrar lo extraordinario a través de lo sencillo. Es el caso de esta fotografía ganadora en la que Rosie parece sentada en un vestuario con un gesto propio que se trata de una joven tratando de labrarse un camino que posiblemente marcará su futuro.

Según Blake:'The series is probably less about sport than it is about young people growing up and the transition from childhood into adulthood. These teenagers exist in this ultra-professional world that can often be very isolating. It is about them growing up and how the experiences they have now shape them for the future.'

Después de ver estas tres fotografías evidentemente parece que todas tienen en común la figura de una adolescente. Me parece importante mencionar la actitud de las jóvenes hacia la cámara y cómo cada uno de los fotógrafos es capaz de captar un gesto que describe rasgos del carácter de cada adolescente. Desde luego, esto no es tarea fácil y cada una de las fotografías hablan por sí mismas.

También me gustaría referirme a la composición de las fotografías no solamente a las que he descrito sino en general a todas las que pertenecen a la muestra. El retrato no sólo tiene que ver con el individuo que es retratado, sino también con ese fondo que forma parte del retrato . Algunos retratos son primeros planos centrados en el rostro y generalmente llevan un fondo plano que ayuda mirar una y otra vez el rostro. Otros se abren y el cuerpo está presente dando importancia también a un fondo que sitúa y cuenta algo de cada personaje. Lograr el equilibrio entre estos elementos es tarea del fotógrafo.

En el caso de Woodward el fondo aparece desenfocado e independientemente de conocer el espacio en el que se ha tomado la fotografía, el entorno nos ayuda a centrarnos en la figura de Harriet y en su conejo de indias. En el caso de Chancellor, el fondo aparece nítido pero no distrae la mirada de la atención principal formada por los animales y la adolescente. Ese entorno sin duda ayuda a contextualizar la escena y como dice el fotógrafo contrasta con lo que el retrato cuenta. Por último, la fotografía de Rosie tomada por Blake utiliza el espacio de vestuarios como el lugar idóneo para retratar a la atleta nadadora. El fondo está algo desenfocado pero se entiende que ese espacio tiene mucho que ver con el retrato jugando además con una iluminación que potencia el retrato de Rosie. También me llama la atención del gesto adulto de las manos y el rostro en contraste con el de los pies que es natural y claro para explicar quien es.

Por otro lado, me preguntaba cómo es el trabajo de Jooney Woodward, el ganador de la edición de este año e investigando en su página web me he encontrado con otras de las fotografías que forman parte de la serie realizada en el mismo evento en Royal Welsh Agricultural Show y que espero que después de leer lo anterior comprendáis por qué Woodward se decidió por escoger a Harriet and Gentleman Jack.

Más información:

Artículo sobre la fotografía ganadora en la edición 2011 en The Guardian

Portrait Prize 2011

Portrait Prize 2010

Portrait Prize 2009

Exposición de Woodward "Those bites of Wales left unseen"

Ver Young Olimpians de Blake

The National Portrait Gallery

Fantasmagorías de la identidad

2011-11-16T13:29:00.000-08:00

Este trabajo es una de las imágenes que tengo guardadas en mi memoria durante el tiempo que estuve viviendo en Atenas. Pasaba casi a diario delante de esta imagen y siempre tenía ganas de pararme a mirarla, pero nunca me detuve. Puede ser que el llegar a verla tan frecuentemente hiciera que no necesitara detenerme ya que formaba parte de esa colección de imágenes cotidianas con las que se conviven y el hecho de que en cualquier momento me podía detener a mirarla. Después de los años y de vez en cuando me venía de nuevo a la cabeza, hasta que paso a ser una visita pendiente cuando volviera a pisar Atenas.

Este verano tuve la oportunidad de hacerlo y saldar esta cuenta pendiente con mis recuerdos. Así que cámara en mano y con la intención expresa de observarla de cerca me dirigí al metro de Omonia.

Este trabajo forma parte de obras de artistas griegos contemporáneos que se pueden visitar en diferentes estaciones del metro de Atenas y que recomiendo estar atentos cuando visitéis en metro la ciudad. La siguiente obra está en los pasillos de la estación de Omonia bajando las escaleras en dirección a la línea roja de metro.

Este trabajo fue realizado por el artista Nikos Kessanlis entre los años 1963 y 1965 y posteriormente fue expuesto en Berlín,Paris,Milán hasta que finalmente encontrará su ubicación en el metro de Atenas el año 2000, donde en mi opinión se encaja perfectamente en este entorno de tránsito de gente.

Kessanlis muestra un juego de sombras ,podríamos decir que se trata de una especie de sombras chinescas o recuerde a los griegos las historias de Karagiozis y sus marionetas. A diferencia de éstos, la obra del artista es una sucesión de escenas diferentes que muestran un juego de sombras de personas reales y vivas en lugar de marionetas. En cada una de estas escenas de juego hay personas de diferentes edades que juegan y se descubren tras la tela como un momento para ser ellos mismos y descubri lo que hay detrás de la tela y de la sombra . Hay que decir que la sombra, compañera de la luz tiene un significado añadido para la antigua Grecia. La sombra también conecta con la muerte y esa ausencia de luz que genera la sombra se proyecta simbólicamente en el mundo de las sombras en que habitamos según contaba Platón.

El hecho de situar esta obra en el metro sirve también de espejo e invitación a la reflexión para las personas que por allí transitan. El metro es un lugar público por el que siempre estamos de paso, como en la vida y no se necesitan rostros para esa obra aunque sí rastros, huellas de que esas personas son reales como nosotros mismos que paseamos y nos movemos por esos pasillos.

Hay un detalle irónico que me gustaría destacar y es cómo el artista está presente en esa obra aunque fuera de ese juego de sombras que ocupa gran parte de la obra. En la esquina inferior derecha Kessanlis aparece tumbado en el suelo con un brazo levantado aunque no podemos ver su rostro ni el de su perro que permanece sentado junto a él observando lo que sucede detrás de esa tela. Hay una firma de Nikos bajo su imagen que revela al espectador la identidad de que el artista también está dentro de esa obra.

La cámara está también presente como la encargada de registrar esa imagen que vemos cuando en realidad se trata de una tela emulsionada que por la acción de la luz de diferentes proyectores se ha convertido en fotografía (en relación con este tipo de procedimientos fotográficos sin cámara podéis ver el post de Shadow Catchers)

Considero que su presencia es la de creador de una imagen que nos ofrece como un fotógrafo que construye la imagen de una determinada realidad y que convierte en fotografía. Sin duda su presencia es indicio de que hay algo más de lo que aparentemente vemos y que nos trata así de contar.

No quería terminar sin dejaros unas fotografías que tomé mientras andaba por el metro de Nueva York donde en los transitados pasillos se escriben mensajes que se leen o se miran de reojo aunque no nos detengamos y pensemos que en cualquier otro momento también podremos hacerlo.

Para más información de Fantasmagorías de la identidad ver enlace.Otras obras de Nikos Kessanlis.

El fotolibro latinoamericano

2011-11-09T11:40:00.000-08:00

El pasado 3 de noviembre fue la presentación del libro "El fotolibro latinoamericano"recopilatorio de libros de fotografía de Latinoamerica en la galería Ivorypress Art de Madrid.

La mesa contaba con la presencia de Horacio Fernández, autor del libro e historiador del arte especializado en fotografía, Carlos Alberdi, director de Relaciones Culturales y científicas de la AECID, Ramón Reverte, director de la editorial RM en la publicación en castellano, Antonio Sanz, director de la galería Ivorypress y la presencia de un fotógrafo que no necesita presentación Martin Parr.Esta obra nace de un interés por recopilar los fotolibros mas representativos de toda latinoamérica del que parece ser el gran desconocido. Esta idea surge tras el Primer Fórum Internacional de Libros de Fotografía celebrado en Brasil el año 2007 en el que Horacio Fernández se embarca en realizar este proyecto investigando y buscando los mejores fotolibros. En esta búsqueda, Horacio comenta la dificultad por encontrar muchas de estas publicaciones ya que han tenido que ser rescatadas a través de diversas fuentes debido a que muchas de las tiradas de estas publicaciones provienen de ediciones limitadas y con poca proyección editorial. La elección de los libros de fotografía más representativos ha contado con la selección de un grupo de investigadores, fotógrafos y editores en el que se encuentra Martin Parr.

De entre los capítulos del libro me gustaría destacar aquel que hace referencia expresa a los fotolibros en la página 151 y en los que se han destacado las siguientes ediciones por su complejidad de contenido y la calidad de la forma:

-Viagem pelo fantastico de Boris Kossoy (1971).Río de Janeiro. Kosmos.

-Sistema nervioso de Barbara Brandli (1975) Caracas. Fundación Neumann.

-Fotografías de Fernell Franco (1983).Bogota. Editograficas.

-Retromundo de Paolo Gasparini (1986).Caracas. Grupo editor Alter Ego.

En especial me gusto la idea de este último por como presenta esas imágenes para comprender su contenido insistiendo en las diferentes miradas.

Para finalizar me gustaría incluir algunas referencias a publicaciones relacionadas con el fotolibro y que actualmente existen pocas publicaciones dedicadas a este tema.

Es el caso de "Japanesse photobooks of the 1960 and 70s" de varios autores publicado por Aperture. Esta obra recoge una selección de cuarenta fotolibros más representativos en la década de los años sesenta y setenta en los que se incluyen 2Un Diario Sentimental de Nobuyoshi Araki y "Hombre y Mujer" de Eikoh Hosoe como fotolibros destacados.

"Photobook.History Volume I and II" de Martin Parr y Gerry Badger publicado por Phaidon. Es una publicación que contiene dos vólumenes y que recoge a través de más de 200 libros de fotografía la historia del fotolibro desde comienzos del siglo XIX hasta la fecha haciendo un recorrido cronológico de la historia de este tipo de publicaciones que son el testimonio vivo de muchos fotógrafos.

Por último, también podemos encontrarnos con una publicación de Martin Parr, recopilatorio de fotolibros que ha titulado "The protest box" publicado por Steidl y en el que recoge cinco libros de fotografía que muestran diferentes formas de abordar el tema de la protesta a través de la fotografía. Las publicaciones se presentan reeditadas en una edición limitada de 1000 ejemplares. Los fotolibros que componen "The protest Box" son: América. Un viaje a través de la injusticia de Enrique Bostelmann de 1970 Sanrizuka. Photographs by Kitai Kazuo de 1971, Algerien L'algerie de Dirk Alvermann de 1960, Para verte mejor, América latina de Paolo Gasparini y Edmundo Desnoes de 1972 e Imagini del no de Paolo Matrioti y Anna Candiani de 1974.

Les Aveugles/Los ciegos

2011-11-02T13:28:00.001-07:00

Para este post me gustaría hablaros de un trabajo de la artista Sophie Calle "Les Aveugles/Los ciegos" que realizó en 1986.

Durante un año Calle tomó contacto con personas invidentes de nacimiento y a las que les pidió que le describieran su imagen de la belleza. Es decir, Calle les sugería que pensaran sobre un concepto en una lenguaje ausente, el visual. La descripción dada por cada una de las personas ciegas además de formar parte de cada trabajo particular, sirve de referente para conseguir la imagen que representa esa descripción. que en ocasiones la artista tuvo que buscar en sus hogares, rincones donde se encontraba el ideal de belleza. Según relata Calle algunas de las personas incluso trataron de fotografiar la belleza por ellos mismos tratando de orientar la cámara hacia aquello que realmente pensaban que podían encontrar la belleza.

A primera vista, la belleza puede resultar paradójica para definirla ya que es un concepto que requiere de la percepción visual, sin embargo, una persona ciega puede definir cual es el significado de la belleza desde otra mirada y atendiendo a otras percepciones. Si miramos su significado según la Real Academia de la Lengua Española belleza[1] “es la propiedad de las cosas que hace amarlas, infundiendo en nosotros un deleite espiritual. Es una propiedad que existe en la naturaleza y en las obras literarias y artísticas.”

La belleza está íntimamente ligada con la percepción y con la obra artística, bien sea plástica, literaria ó musical Considero inteligente por parte de Sophie Calle escoger este concepto para buscar diferentes apreciaciones sobre lo que puede significar la belleza si excluimos la mirada. Sin duda, sus descripciones pueden servirnos para entender qué significa la belleza a personas que les está prohibido mirar.

Por otra parte me gustaría destacar dos aspectos interesantes de esta obra:

-En primer lugar se trata de un trabajo colaborativo entre el artista y la persona invidente que describe su imagen de belleza. Sophie Calle utiliza esa descripción de belleza para crear una imagen que lo represente, bien a través del entorno mismo de la persona que lo describe o buscando una imagen que se adecue a esa definición. Hay un trabajo conjunto con el artista y un trabajo de reconstrucción de experiencias o en este caso de imágenes[2] a partir de una descripción dada. La descripción en sí ya es una percepción que busca una forma visual concreta.

En todas y cada una de las imágenes aparece el retrato de quien define la belleza, la descripción y abajo las imágenes que representan visualmente ese concepto de belleza.

En el caso de esta niña dice así: “Ovejas, esto sí que es bello porque no se mueven y porque dan lana. Mi madre también es bella porque es alta y tiene el pelo lacio y le cae hacia abajo. Alain Delon.

Otro de los trabajos corresponde a la persona retratada que comenta :”Belleza, estoy aburrido de la belleza. No necesito belleza ni imágenes en mi cabeza que lo representen. Desde que no puedo apreciarla huyo siempre que puedo para no encontrármelo.”

La imagen que Sophie Calle muestra es una ausencia ya que la descripción que esta persona hace es una negación del mundo de las imágenes del que siente que ya no tiene acceso.

-Por otra parte, la combinación de lenguajes en la obra: texto y fotografía. Dos imágenes y un relato que lo describe y que es clave para entender el conjunto. La palabra es una forma de expresión en otro código al que tiene acceso la persona invidente. Sus palabras tienen el valor de referente para la creación de la imagen y la imagen se convierte en complemento de ese mensaje. En el caso de Les Aveugles la descripción que cada uno aporta sobre el concepto de imagen de la belleza ya es una lectura de una imagen y Sophie Calle tan solo tiene que encontrar un referente visual que lo identifique. La combinación de lenguajes es lo que hace posible convertir un pensamiento en imagen.

[1] Según la R.A.E. Belleza tiene también otras acepciones como (2) Mujer notable por su hermosura. Belleza artística es la que produce de modo cabal y conforme a los principios estéticos, por imitación de la naturaleza o por intuición del espíritu. Belleza ideal principalmente entre los estéticos platónicos, prototipo, modelo o ejemplar de la belleza, que sirva de norma al artista en sus creaciones.(31.10.2011)

[2] CALLE, S. (1996):Relatos. Barcelona. Fundación La Caixa.

Las imágenes que aparecen están tomadas de su página web donde podéis ver más sobre éste u otros trabajos.

Jornadas Nice to Meet You

2011-10-26T11:31:00.000-07:00

Nice to Meet You se enmarca dentro del Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales Emergent 2011.

Las jornadas se celebrarán los días 26, 27 y 28 de octubre en Lleida y están abiertas a todas aquellas personas interesadas en la creación fotográfica y su participación no conlleva ningún coste, todo un privilegio.

Las jornadas incluyen conferencias, encuentros, visionado de portfolios

Lo que diferencia este festival de otros es que ofrece convocatorias que dan cabida a nuevos fotógrafos/as que no tienen aún una carrera consolidada.

Durante los días 27 y 28 se podrán ver los portfolios de artistas emergentes que han sido seleccionados previamente para mostrar su trabajo a galerías y público que visite la muestra en el Pati de la Llotja, sin duda una ayuda para dar a conocer nuevos trabajos.

En esta labor el festival colabora con diferentes escuelas de fotografía para apoyar y difundir la obra de fotógrafos emergentes, así como la oferta de convocatorias como eCREA2011 y premios.

Para el programa de conferencias me gustaría destacar la propuesta que Anna Huix y Lluís de Nadal presentarán el día 28 y que encaja como anillo al dedo con el objetivo de este Festival: dar a conocer y ofrecer plataformas de difusión para nuevos fotógrafos.

Theinvisibleproject.org es un proyecto colaborativo abierto a través de internet a la participación de todas aquellas personas interesadas en dar a conocer su trabajo fotográfico y establecer intercambios y diálogos sobre la mirada actual de la fotografía. Como ellos mismos proponen es un lienzo en blanco que espera la llegada de fotografías para ser mostradas.

Aquí os dejo una de las series de fotografías de Ricardo Cases en la versión moderna de "Los pájaros" de Hitchcock que se pueden ver en su blog.

"Creemos que no todo está inventado, que siempre habrá obras por crear y nuevas formas de hacerlas realidad."

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Pincha aquí para ver el programa completo de Nice to Meet You.

Pincha aquí para ver en detalle las conferencias

Fotografías de ayer y luces de hoy

2011-10-18T12:46:00.000-07:00

El pasado 30 de septiembre el Cultural publicó un artículo sobre la exposición de Lisa Oppenheim en la Galería Marta Cervera de Madrid. Hablar de su trabajo es una forma de rescatar procedimientos analógicos algunos arcaicos y otros que se van dejando de lado para disfrutar de las comodidades difícilmente resistibles que la fotografía digital nos ofrece.

Sin duda a Oppenheim le interesa mantener vivos estos procedimientos porque son el medio idóneo para contar sus historias y que además resultan esenciales para potenciar esa idea del paso del tiempo.

La exposición “Fuegos grandes y pequeños” cuenta con tres trabajos de la artista: la filmación en 16mm “Yule Log”, fotogramas “Cuando el rio suena agua lleva” y los “Heliogramas”. El fuego, el humo y el sol son motivos de cada una de las obras y que además se interrelacionan.

Me gustaría detenerme en una de las obras, “Heliogramas 1876/2011”. Se compone de series de fotografías que repiten aparentemente la misma imagen del sol, sin embargo, todas son distintas por la exposición que se ha realizado en cada una de ellas. Las fotografías tienen algo de 1876 y algo de 2011.

La imagen del sol pertenece en realidad a John William Draper y fue tomada por este científico el 8 de julio de 1876. Posiblemente la artista haya utilizado esta imagen como negativo para realizar las fotografías. La fecha en que fue tomada en 1876 nos revela que el científico había fotografiado el sol durante el equinoccio de primavera y la artista pretende rescatar esa misma imagen y mostrarla también con la luz del equinoccio de 2011. Me parece inteligente la forma en que la artista ha querido retratar la luz del sol de hoy con la imagen del sol del ayer.

El estudio que realiza Oppenheim es poético, artístico y hasta científico ya que la imagen del sol no es una, sino varias realizadas en distintos días y en horas concretas. Resulta curioso el modo como organiza estas fotografías, como si se tratase de una tabla en que las filas son los días y las columnas las horas, dejando algunos espacios vacíos como ausencias.

En las siguientes fotografías podemos ver por orden cronológico las fotografías en el que se aprecian los cambios de luz solar en el equinoccio.La última imagen corresponde con la serie expuesta en la galería Marta Cervera.

Un detalle que podemos apreciar al observar fotografías es el acabado dorado que las cubre y que la artista lo utiliza para justificar esa relación íntima que ha creado con la luz y el tiempo, el sol y el oro. Según nos relata “El sol es aquello que nos produce poder y el oro es su símbolo. La relación entre la fotografía y el oro la podemos encontrar en las huellas del origen de la fotografía, cuando en 1840 se utilizaba el oro en lugar de la plata como sustancia sensible de ahí el nombre de Heliogramas.

Me parece que esta obra no sólo busca una relación en sí misma sino que además cobra sentido junto con las otras obras. Toda un rescate contemporáneo por la fotografía analógica y sus procedimientos originales.

Para terminar os dejo también algunas imágenes de un trabajo realizado con fotografías de la luna en diferentes periodos lunares tomadas también por Draper. Esta vez realizó una serie de fotogramas de la luna de 1851 bajo la luz de la luna correspondiente de 2010.

Puedes visitar la exposición "Fuegos grandes y pequeños" en la Galería Marta Cervera hasta el 12 de noviembre.

Pincha aquí ver más trabajos de Lisa Oppenheim.

Narrativas de imagen y palabra

2011-10-10T13:16:00.000-07:00

Hace unas semanas me encontré con una serie de fotografías del polaco Marious Hermanowicz que junto con otros formaban parte de la exposición “El pensamiento cautivo. la tiranía de la imagen en la fotografía polaca después del año 1945” en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Esta colectiva estaba dedicada a conmemorar el centenario del nacimiento del escritor Czesław Miłosz (Lituania, 1911 - Cracovia, 2004),considerado uno de los escritores más importantes del siglo XX y que fue galardonado en 1981 con el Premio Nobel de Literatura.

De la exposición quería mostraros la siguiente la secuencia de fotografías de Hermanowicz titulada “Libre” realizada en 1982.

Por un lado me interesa la narrativa de esta secuencia de fotografías que combina la imagen y el texto. ¿Es necesaria la palabra para aportar mayor sentido a la fotografía? Podemos pensar que la imagen puede y debe ser lo suficientemente expresiva como para hacerlo. En el caso de Hermanovicz la palabra es compañera inseparable de la fotografía, salvo en aquellas imágenes que no aporte nada más porque la imagen es lo suficientemente expresiva. En el caso de esta serie aquellas fotografías que van acompañadas de texto no hacen sino potenciar su expresión y nos obligan casi inconscientemente volver a mirarla y reconocer su sentido. Como veremos en otros trabajos del mismo fotógrafo, la palabra puede convertir la imagen en algo mucho más significativo.

Este misma combinación de palabra e imagen también aparece en otros fotógrafos. Es interesante nombrar a Duane Michals, que además de coincidir en este aspectos es uno de los pioneros en el uso de la secuencia en la narrativa de las fotografías.

Volviendo a la serie de Hermanowicz,otro de los detalles significativos es la fotografía como algo simbólico. En la serie podemos ver la fotografía dentro de la fotografía y que además es el objeto clave de la historia. He tratado de averiguar quienes son los personajes que aparecen retratados y aunque no he conseguido averiguarlo, no dudo que al vincularlo con la obra del escritor,se trate de algunos representantes de la dictadura polaca durante el siglo pasado. Aún sin saber quienes son, lo que resulta sugerente es el valor que adquiere la fotografía como símbolo de un recuerdo, de la memoria y el hecho de que uno al deshacerse de la fotografía logra deshacerse totalmente de esos recuerdos.¿No es cierto que al romper unas fotografías buscamos olvidar forzosamente quienes se adueñan de la imagen?

También en este caso cito a Duane Michals que utiliza ese mismo recurso de la fotografía dentro de la fotografía en la serie “Things are queer” (1973), aunque con un sentido bien diferente y no menos interesante.En el vídeo siguiente se puede ver la secuencia de fotografías que obliga al espectador a reconstruir la narración y preguntarse hasta que punto una fotografía que vemos es real.

A continuación os dejo con algunos otros trabajos sugerentes del fotógrafo polaco Marious Hermanowicz y que espero os gusten.

The Stone 1977

Para ver más de este autor pincha aquí

Para más información de Duane Michals y entrevista.

El regreso a la música de Annie Leibovitz

2011-10-01T13:36:00.000-07:00

Ya que en el anterior post comentamos el camino emprendido por Pete Brook, vamos a hablar de otro recorrido y esta vez con la fotógrafa americana Annie Leibovitz.

Annie Leibovitz comenzó en los años setenta a trabajar para la revista Rolling Stones fotografiando a músicos tanto en su faceta artística como en la personal. Esto le sirvió para documentar no sólo al artista en el escenario, sino a introducirse en todo lo que envuelve la vida de un artista. Posteriormente se ha movido al terreno publicitario trabajando con Vanity Fair y Vogue consiguiendo numerosos premios a lo largo de toda su carrera y llegar a ser la primera mujer que expone en la National Portrait Gallery de Washington,D.C.

De todo su trabajo quería destacar sobre todo el de sus inicios, la fotografía de música. La verdad es que no hubiese etiquetado este tipo de fotografía como una categoría, a no ser por los comentarios a los que se refirieron los diferentes ponentes en las conferencias celebradas en la escuela TAI de Madrid y dentro del marco de conferencias sobre “ Interrelación de las artes”.

En realidad siempre habría pensado que todas las fotografías que engloban el mundo de los músicos se trataban de fotografía documental ó publicitaria y que a veces puede ser complicado distinguirlo. Quizás estas categorías bien pueden ser entendidas como líneas temáticas que pueden ir cambiando mientras discurre la trayectoria de cada fotógrafo/a motivado/a por intereses personales, económicos o sociales.

Una de las figuras que se destacó fue precisamente la de Annie Leibovitz, como fotógrafa clave en este tipo de fotografía de la que difícilmente no conozcamos alguna de sus trabajos. La famosa fotografía de John Lennon desnudo abrazado a Yoko Ono puede ser un ejemplo.

Aunque todas estas fotos que le hicieron famosa pertenecen a la época de los setenta y ochenta, Leibovitz sintió años más tarde la necesidad de volver a esa fotografía de música desde la madurez. American Music era un ambicioso trabajo fotógráfico sobre música que se desarrolló en los años 1999 y 2000. Pretendía contar algo más sobre cómo la música se crea, de sus artistas y de todas aquellas fuentes de inspiración de las que beben los artistas para escribir sus canciones y melodías.

Se marcó una ruta en la que recorrer Estados Unidos para conversar y fotografiar a los grandes iconos de la música en sus entornos más familiares y significativos. El itinerario comenzaba por el delta del Mississipi, Louisiana, Tennessee, Missouri, Texas, California, Florida, la ciudad de New York y llegaba hasta New Jersey.

He seleccionado algunas de las fotografías de “American Music” que además se pueden ver en la galería Andrew Smith.

“Clearwater Revival” es la fotografía de Pete Seeger en la orilla del río Hudson El entorno es el perfecto contexto para hablar de este artista y activista en la que se funde la inspiración de su música y de su trabajo por proteger ese mismo entorno.

“The Roots” en las calles de Philadelphia, Pensilvania.2000

Ambas fotografías pertenecen a Brian Wilson. La primera fotografía a color muestra al artista en el jardín de su casa de Beverly Hills en el año 2000 y la imagen de la derecha en blanco y negro pertenece al mismo artista fotografiado en los años 70 y vistiendo un atuendo similar.

Más información de Leibovitz en New York Times.

Prison Photography on the Road

2011-09-23T10:45:00.000-07:00

Hace un par de meses encontré este magnífico blog dedicado a investigar la cultura de los presos y de las cárceles a través de la fotografía. Lo interesante para su autor es que la fotografía no sólo sirve como herramienta para documentar lo que sucede en las prisiones, sino conectar con la gente para saber cuales son sus historias y comprender cual es la verdadera realidad de los centros penitenciarios. Su autor Pete Brook ha conseguido este año el premio de LIFE.com al mejor photoblog y aparece también entre los diez mejores Photoblogs de la lista publicada por The British Journal Photography.

prisonphotography.wordpress.com

En este post, además de dar a conocer su blog, me gustaría contaros su nuevo proyecto Prison Photography on the Road. Brook acostumbrado a contar trabajos de fotógrafos que selecciona por compartir sus mismos intereses, pretende recorrer los Estados Unidos para visitar y entrevistar a estos mismos fotógrafos.El recorrido está programado durante unas 12 semanas y el itinerario estará marcado por esas visitas.

El proyecto salta del ordenador de su escritorio a las conversaciones reales y toma de contacto con esos mismos fotógrafos de los que ha escrito en otras ocasiones. El tiempo que dure este proyecto Brook seguirá manteniendo actualizado su blog con posts escritos durante elcamino. Además, pretende crear un archivo con todas estas conversaciones como material que estará disponible más adelante bajo la licencia de Creative Commons.

El recorrido que ha trazado para su viaje incluye entre otros la visita de fotógrafos como Danny Lyon,Richard Ross, Taro Yamasaki, Jenn Ackerman, Tim Gruber, Jon Lowenstein, Lori Waselchuk, Deborah Luster, Frank McMains y Ara Hoshagan.Aquí tenéis un vídeo en el que Brook describe los detalles de Kickstarter: Prison Photography on the Road

Para subvencionar el proyecto de Brook diferentes fotógrafos han donado su obra para que Prision Photograhy on the Road salga adelante. Entre las imágenes me llama la atención el trabajo de Ara Hoshagan donde las fotografías van acompañadas de la escritura del retratado convirtiéndose en una obra conjunta y aunque están escritas con diferentes códigos comparten un mismo mensaje.

Para más información ver entrevista Focusing on Prison Photography de realizada por James Estrin en el NY Times

Una colección personal I

2011-09-16T12:51:00.000-07:00

Siempre que volvemos de vacaciones nos encontramos con un montón de fotografías y con sus recuerdos que con el paso del tiempo inevitablemente se van borrando. Pero ¿cómo poner orden con tantas fotografías digitales? y ¿cómo recordar esos momentos?

J.Henry Lartigue también tenía la necesidad de atrapar sus momentos y conservarlos en papel. Sus álbumes le servían para ordenar sus fotografías y coleccionar así todos sus recuerdos. Además contaba con sus diarios en donde realizaba bocetos para posibles fotografías y anotaba hasta el tiempo de cada día . En la pasada exposición de Lartigue en el Caixa Forum de Madrid, pudimos ver algunos de estos diarios y álbumes que son un testimonio vivo de todo su trabajo.

La propuesta o colección personal que os muestro comienza por poner orden con algunas de las fotografías tomadas durante este verano en diferentes lugares de Albania, en especial con una serie de retratos. Desde el principio los rostros de la gente me llamaban la atención y buscaba rasgos, comportamientos que pudieran llamarme la atención para fotografiarlos. En la siguiente colección se muestran una serie de personas que en un principio eran desconocidas y que tras conocerlas o encontrarlas me quedé con su fotografía . Los retratos y el entorno son clave para describir a cada una de ellas.

Por otro lado, hay palabras que tienen que ver con anécdotas, conversaciones mantenidas con estas personas y que me sirven de algún modo para conectar con esos momentos.

Visitas turísticas y expediciones fotográficas

2011-08-13T13:55:00.000-07:00

El británico James Robertson se cuenta entre los primeros fotógrafos que viajaron y fotografiaron los lugares de interés de Grecia a mediados del siglo XIX. Es el momento en que la fotografía comenzó a formar parte de expediciones fotográficas que posibilitaban a cualquiera visitar lugares de interés y apreciar su belleza a través de la fotografía además de documentar y catalogar los lugares y acontecimientos de interés. Podríamos decir que se trata del inicio del fotoperiodismo con la diferencia de que estas imágenes siguen teniendo todavía mucho de esa fotográfica pictórica.

Esta exposición es una colección de treinta y ocho fotografías que se expone en el Museo Benaki de Atenas, uno de mis preferidos de la ciudad y que además de ofrecer excelentes exposiciones temporales cuenta con una completa colección de objetos artesanos, pintura, escultura, trajes, útiles y herramientas varias que te permiten hacer un recorrido diferente de la historia griega desde la antigüedad hasta el siglo XX.

Me llama especialmente la atención lo que han cambiado estos sitios arqueológicos y ya no tanto por las ruinas y antigüedades que se nos muestran, sino como los lugares que las envuelven se han transformado y preparado para el turismo hasta el punto de perder realmente la esencia de lo que podría ser realmente ese lugar en un momento dado.

Es el caso, por ejemplo, de las fotografías de lugares arqueológicos de la Acrópolis en donde Roberston los fotografía en aparentes espacios apartados. Los vigilantes van vestidos de trajes típicos para contextualizar el lugar y parecen mirar atentamente a los que las visitan como si se tratara de una rareza. Si comparáramos estas fotografías con la cara moderna de estos lugares arqueológicos comprenderíamos hasta que punto han evolucionado sus lugares, sus visitantes y el sentido de visitar este tipo de lugares como reclamo turístico de muchas ciudades.

En este sentido me gustaría aprovechar y mostraros dos imágenes, una de mediados del siglo XIX tomada por James Roberston y otra de Martin Parr que fotografía el mismo lugar y que pertenece a esa cara actual del turismo para que cada uno pueda hacer su lectura.

James Roberston

Vista del Erecteión y Propileos del Acrópolis de Atenas.

Martin Parr

Acropolis 1991 Copyright Martin Parr/Magnum Photos

Puedes ver las fotografias de James Roberston en : "Athens and Grecian Antiquities" 1853-1854.

Del 28 de junio al 21 de agosto de 2011 en el Museo Benaki

1 Koumbari St. & Vas. Sofias Ave.
Athens, Greece

Martin Parr y la Albania de los 90

2011-07-17T13:32:00.001-07:00

No sé qué puede sorprender más, si una exposición de fotografía de Martin Parr en Tirana o el asombro de los albaneses al ver como ha cambiado y evolucionado su tierra durante los últimos veinte años.

La Galeria Kombertare e Arteve ( Albanian National Gallery of Arts) presenta la primera exposición de Martin Parr en Albania y la primera que se muestra esas imágenes al público. Sin duda, es el mejor sitio para comenzar ya que sus habitantes son los protagonistas de las fotografías y de la transformación del país.

Martin Parr describe en su blog como fue uno de los primeros afortunados en visitar el país. Él formaba parte de un grupo que tenía previsto visitar lugares de interés arqueológico en otoño de 1989, teniendo en cuenta que por estas fechas la entrada a periodistas y fotógrafos estaba censurada y que muchos de ellos lo eran. A pesar de los inconvenientes durante su estancia, logró introducirse en los lugares frecuentados por la gente de la calle y fotografiar escenas que de otra forma hubieran quedado relegadas en la memoria de los que las vivieron.

Algunas de las fotografías podéis verlas en su blog, como estas donde Parr realmente logra introducirse es estos lugares como uno más y captar estas fotografías donde nadie parecer pensar que está siendo fotografiado.

Parece mentira que aquellas fotografías escondidas se muestren ahora de forma pública en el mismo lugar donde se prohibieron. Considero que es un buen síntoma de cómo respira y cómo ha logrado este país avanzar en las últimas décadas aunque seguramente todavía queden huellas visibles e invisibles de lo vivido.

Martin Parr nos comenta como en la inaguración de la exposición asistieron altas personalidades e incluso el primer misnistro Sali Berisha. Parr le preguntó qué es lo que sentía al mirar esas fotografías de su país durante los años noventa a lo que Berisha respondió “es como mirar a un brazo amputado”.

Una de las fotografías más populares es esta en la que se puede apreciar un chico jugando al ping pong y otros dos al ajedrez, todos metidos en el juego, en el entretenimiento que les separa momentáneamente de dónde están.

The National Gallery of Arts welcomes in its temporary exhibitions wing, from the 15th of June to 7th of August 2011, the photo exhibition of the well known British photographer Martin Parr. This is the first personal exhibition of Parr in Albania; it is also the first time that images from the series Albania 1990 show to the general public.

As the important art critic Gerry Badger has written “Martin Parr is an exemplary photographic figure at the beginning of the twenty-first century. Not quite an out-and-out modernist, not quite a postmodernist, he is a leading light, indeed a founder, of the New European Colour Photography School, yet is also a member of Magnum, photojournalism’s premier agency.” This, according to Badger, makes Parr “familiar with the contemporary treadmill of the successful photojournalist,” but at the same does not prohibit him from working in a “conceptual” way, showing in art galleries as well as purely photographic galleries.

Parr is a photographic man of great learning, “a genuinely versatile photographer, one who lives, sleeps, and breathes photography in all its manifestations, from base function to lofty art. Martin’s whole modus operandi... depends upon slipping deftly between photographic worlds, thereby instinctively addressing such issues as the role of the photographer, the status of the photographic image in our culture, and indeed the very nature of contemporary culture itself. Parr’s whole career, and more pertinently his imagery, asks questions about high and low culture, art and commercialism, the duplicity of the photographic image, and (not a whit incidentally) about the lives we live today.”

This important exhibition opening in the Albanian National Gallery is composed of three series: Albania 1990, Common Sense 1995/1998 and Small World 1989/2007. The photo-installation, Common Sense, is one of the largest Parr has ever completed in Europe, in this case using 270, slightly larger than A3 size images.

Albania 1990  In 1990 Martin Parr travelled to Albania on the first tourist trip into the country after the fall of the Berlin wall. He says that: “this was an architectural tour and out of the 14 places, 12 turned out to be journalists.” He was able to roam freely early in the morning or when there was limited amount of time off. Although still quite recent these images depict a different world from the Albania we know now.

Common Sense 1995/1998  In 1999 Parr produced this grid of close up images, in the brightest of colours that depict the details of the modern western world that has become so familiar. From close ups of fast food, through to woman's jewellery, it is an index of the flotsam and jetsam of the contemporary world.

Small World 1989/2007  With his ongoing study of global tourism Martin Parr shows how the image of a famous resort is often a contradiction of the reality. With tourism as the biggest industry in the world, Parr shows us what a surreal world it has become, often drowning in people as sites become victims of their own success.

Este texto está extraído de la página de La Galeria Kombertare e Arteve de Tirana.

¿Cómo es posible mejorar la calidad de nuestras fotografías digitales?

2011-07-13T10:46:00.000-07:00

El ruido en una fotografía se ha convertido en un elemento que forma parte de algunas de nuestras fotografías empobreciendo la calidad de las imágenes.

El ruido podría compararse con el grano de la película en fotografía analógica, sobre todo en blanco y negro. Podríamos definirlo como esas diminutas partículas de plata metálica negra que aparecen en el positivo o copia ampliada del negativo. La cantidad de ruido también hace disminuir la nitidez de la imagen de forma que no a todas las fotografías puede favorecerle y por tanto tendríamos que tenerlo en cuenta a la hora de saber que apariencia es más adecuada para nuestra fotografía. Existen películas de negativo como la infrarroja que revelada manualmente nos ofrece imágenes con una calidad de grano muy atractiva. Por otra parte la sensibilidad (ISO) de la película de negativo también influye en la cantidad de ruido que aparece en la imagen.

Ahora bien si nos trasladamos el ruido a la fotografía digital podemos reconocerlo fácilmente como unas partículas diminutas y de colores brillantes que aparecen cuando tomamos fotografías con determinadas condiciones de luz, sobre todo las realizadas con luz artificial y en exposiciones prolongadas. Como por ejemplo, la fotografía siguiente que se aprecian puntitos por toda la imagen que impiden ver una imagen totalmente nítida. En ocasiones, el ruido también en fotografía digital puede ser un efecto deseado que incluso cuenta con un filtro especial denominado ruido por si queremos añadirle o disminuirlo en nuestras fotografías.

La aplicación siguiente trataría de reducir el ruido de una fotografía hasta el punto de mejorar sorprendentemente la calidad de la imagen y en especial para aquellas tomadas en formato RAW.

El Adobe PhotoShop CS5 cuenta con un programa específico para las imágenes en este formato y que se llama Camera Raw 6.0. que cuenta con diversas utilidades antes de pasar a modificar el formato de las fotografías.

¿Cuáles son los pasos?

1. Abrir una fotografía (formato RAW) a través de la aplicación Camera RAW 6.0. y ampliarla al 100% sobre todo en aquellas zonas que contenga el ruido para poder apreciarlo correctamente.
2. Dentro de la pestaña detail o detalles dentro de las opciones que te permite la aplicación. Posteriormente te aparecerán diferentes opciones como Sharpening o Noise Reduction.
3. Dentro de las parámetros de la reducción del ruido nos interesan el de la luminancia. Hay tres : luminancia, luminancia detalle y luminancia contraste. Para conseguir una mayor reducción de ruido podemos ajustar los tres para obtener más definición.
Es interesante también jugar con los diferentes parámetros de la opción que mejora la nitidez de la imagen antes de guardar nuestras fotografías en cualquier otro formato.

Os dejo este vídeo para que podáis ver los diferentes pasos aquí explicados y realizados con una fotografía cualquiera.

Las fotografías de Rimaldas Viksraitis

2011-07-06T12:34:00.000-07:00

Este es otro de los fotógrafos que forma parte de la apuesta de Open Photo de Cuenca y del que os traigo algunas de sus imágenes para que le conozcáis un poco más de cerca.

Sus fotografías muestran la cotidianeidad de pueblos rurales como el de Valakbudis, donde nació y vivió. Después de la caída de la Unión Soviética, las poblaciones rurales han ido perdiendo el valor que antes tenían y poco a poco van desapareciendo. Si en el anterior post hablábamos de cómo Lumpan trataba de documentar y retratar las últimas trashumancias, Viksraitis captura momentos que se escapan y que al fotografiarlos narra historias que no necesitan título porque fácilmente puede uno seguir la historia.

Es el caso de esta fotografía que sin saberlo me llama la atención ese gato que juega mientras otros se divierten después de una ingesta y no sólo de comida también de alcohol. Supongo que todos disfrutan , hasta el gato que utiliza una de las botellas para entretenerse.

El alcohol, animales, cuerpos desnudos y sexo son algunas de las referencias que se repiten en sus fotografías. Según palabras de Viksraitis la gente bebe mucho “because they are lost” y no ven una salida a esa situación desesperada , de modo que beben y parecen disfrutar en su día a día.

En la inauguración, Viksraitis estaba presente con su cámara en el cuello y fue curioso como durante el catering se dedicó a fotografiar a algunas de las personas que allí estaban bebiendo. Él se aproximaba como queriendo formar parte de esa escena y conseguir finalmente que su presencia pasara inadvertida.

Esta fotografía es una de esas fotografías que Viksraitis se sitúa como protagonista de la imagen. Aparece desnudo y de espaldas a la cámara en frente de una larga hilera de botellas de alcohol vacías y que suponemos que ha colocado cuidadosamente formando una especie de carretera y construyendo la imagen final. El título de esta fotografía puede que tenga mucho que ver con toda ese gente que retrata: “The end of the road”.

Merece la pena destacar toda su trayectoria y es que Viskraitis además de ser reconocido como fotógrafo en Lituania también hay que destacar el premio recibido Arles Discovery Award for New Photography en el 2009 que le ha supuesto un reconocimiento a todo su trabajo y talento. Su discapacidad surgida tras contraer tuberculosis cuando era un niño, no ha supuesto impedimento alguno para desarrollar su trabajo como fotógrafo. Quizás ha podido despertar un sentido que le permite expresarse de forma genial a través de la fotografía.

A continuación os dejo unas palabras de Martin Parr sobre este artista del que podremos disfrutar hasta el 24 de julio en la Fundación Antonio Saura de Cuenca.

“Rimaldas Viksraitis is a Lithuanian photographer who works in and around the villages where he lives, and photographs a way of life that is fast disappearing. In his world, any apparent dysfunctionality, propelled by liberal drinking of home brew, appears to be an asset because people seem to be having such a great time. He goes to parties, he sits and drinks and talks with his subjects. Their lives are not overcome by the gadgets of modern day life, which so often eradicate any meaningful communications between families. You can tell he is enjoying himself and at ease with his subjects. Viksraitis’s sitters also seem to enjoy taking off their clothes. I assume this helped by the home brew and rather warm temperatures, or perhaps they are all having frequent sex? Against this backdrop, numerous animals seem to be part of daily life. They surreally pop up everywhere; they too seem to fit in effortlessly. They share the family’s domesticity with the greatest of ease.  The resulting images, displayed (or published) here are slightly insane and wonderfully surreal. They are quite compelling, and if I spoke Lithuanian, I would love to join in the party. However as this will never happen, Viksraitis provides us with a ring side seat, with all the emotion, the drink and the ensuing madness.” 

Rimaldas Viskraitis

"Grimaces of the Weary Village"

En busca de los caminos invisibles de la trashumancia

2011-06-30T09:14:00.000-07:00

Desde que el pasado 10 de junio se inaguró el festival de OpenPHoto de Cuenca tenía ganas de contaros el trabajo de algunos de los fotógrafos que se muestran en la encantadora ciudad.

El OpenPHoto muestra el trabajo de los fotógrafos Rimaldas Viksraitis (Lituania), Dragoş Lumpan (Rumania) y del colectivo kameraphoto (Portugal) en la Fundación Antonio Saura y de Jean-Christophe Vilain (Francia) y colectiva de autores austriacos (Austria) en la Fundación Antonio Pérez.

Me gustaría hablar especialmente dedicar este post a uno de los trabajos que vimos : “La última trashumancia” de Dragoş Lumpan de Rumania.

El proyecto inicial se desarrollo entre los años 2007 y 2008 cuando Lumpan decidió documentar la vida de una familia de pastores rumanos durante un año y medio. Durante todo este tiempo realizó numerosos viajes acompañando a la familia para conocer de cerca la vida de los pastores nómadas y utilizó no sólo la fotografía también el cine para captar el significado de lo que supone vivir entregados a sus rebaños de ovejas la cual es su fuente de subsistencia. La trashumancia podría definirse como el movimiento de los rebaños en busca de pastos frescos para el ganado. El movimiento supone no sólo un cambio para los animales, sino también para los pastores y sus familias que se ven obligados a cambiar de hogar a medida que van pasando las estaciones. Actualmente esta práctica nómada va desapareciendo en toda Europa por las exigentes condiciones de vida que supone y reemplazándose por unas condiciones de vida más cómodas y una práctica del pastoreo más sedentaria.

Concretamente la familia que Lumpan compartió la última trashumancia decidió abandonar esta práctica para asentarse en un lugar fijo. Realmente resulta complicado no adaptarse a los cambios y comodidades para perpetuar una tradición que se extinguirá con el tiempo.

Lumpan se propone con su trabajo recuperarlo de algún modo y mostrarnos está práctica nómada que va desapareciendo y supone la pérdida de una herencia cultural mantenida durante generaciones. Los caminos que los pastores y sus rebaños recorrían formaban parte del paisaje de ese lugar y estas rutas van desapareciendo y el paisaje olvidando las huellas de quienes pasaban por allí. La vida moderna se impone y ya sólo se trata de un origen y un destino, sin importar cómo hacer ese camino recorrido.

El fotógrafo se propone continuar trabajando en la búsqueda y comparativa de otras rutas de la trashumancia que aún permanecen vivas entre ellas las antiguas rutas de los Balcanes en países como Albania, el norte de Grecia, Gran Bretaña, Italia o Turquía.

En la inauguración de su exposición Lumpan contaba como se han sustituido estas costumbres tradicionales por seguir otras que quizás no sean tan provechosas pero que de algún modo confiesa la necesidad de seguir. Algunas de las fotografías muestran un perfecto contraste entre el movimiento de las ovejas y lo que permanece estático. Recuerdo que dentro de la propuesta expositiva, su mujer nos contó como Lumpan había instalado en la planta superior de la sala una cámara fotográfica fija que tomaba de forma automática fotografías cada 30 segundos aproximadamente y desde un mismo lugar. Esto me ha hecho pensar en qué quizás está interesado en comenzar a investigar otras rutas o caminos invisibles.

XIV Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales - PHOTOESPAÑA 2011

OpenPHoto Cuenca

10 de junio – 24 de julio

La última trashumancia

Dragoş Lumpan

Fundación Antonio Saura. Casa Zavala

(Pza. San Nicolás, s/n, Cuenca)

Horario: lun-sab: 11.00 - 14.00 h. y 17.00 - 20.00 h. / dom, fes: 11.00 - 14.00 h./mar: cerrado

Entrada general: 2€; entrada reducida: 1€

Fotografiar sin mis ojos

2011-06-23T07:43:00.000-07:00

A continuación tenéis una presentación sobre una propuesta taller llevada a cabo con un grupo de estudiantes de Logopedia y Medicina de la Universidad de Valladolid. La idea de desarrollar un taller de fotografía sin poder mirar puede parecer algo incoherente ya que la vista realmente es el sentido que nos permite fotografiar, sin embargo, podemos descubrir cómo nuestra percepción puede ser mucho más rica si por un momento nos olvidamos de ese sentido. Se trataría por tanto de potenciar "otra mirada" sin pensar únicamente en los sentidos y experimentando un lugar como si se tratara de un espacio que visitamos por primera vez.

A continuación se añade una muestra de las fotografías y anotaciones que realizaron los estudiantes conjuntamente durante el desarrollo del taller.

Espero que os gusten.

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El álbum fotográfico de Lartigue

2011-06-12T05:56:00.000-07:00

Tengo que decir que me he estado reservando a este post para aprovechar la visita a la exposición “Un mundo flotante” de Jacques Henry Lartigue en el Caixa Forum de Madrid que realizamos el pasado 31 de mayo junto con un grupo de adultos que han participado en el seminario de la Universidad Abierta de la Escuela Universitaria Cardenal Cisneros, U.A.H .
La visita a esta exposición es el broche final del curso de fotografía que hemos compartido juntos y que aprovecho para dedicar a todos ellos, por las horas que hemos compartido y los diálogos que nos han servido para descubrir juntos otra forma de mirar la fotografía.
Encontrarnos con una exposición tan completa como la dedicada a Jacques Henry Lartigue no es tan fácil, no sólo por la estupenda colección de fotografías, sino por que en ella podemos ver artilugios fotográficos, álbumes del autor y hasta una película familiar que no tiene desperdicio.
El montaje de la exposición llevado a cabo por Florian Rodari y Martine DÀsier de la Vigerie crea un itinerario interesante que comienza por las primeras fotografías realizadas por Lartigue cuando era niño, pasando por espacios temáticos dedicados a los contenidos que más le interesaron a Lartige durante toda su vida. El movimiento, la velocidad, la vida moderna y sus mujeres hasta llegar al final del recorrido con las últimas fotografías tomadas por Lartigue. Durante el recorrido por la exposición nos encontramos con unas cajas blancas construidas para mirar a través de dos lentes y que son en realidad fotografías estereoscópicas. Además muchas de las fotografías que podemos ver en la exposición están tomadas con este tipo de cámaras de las que tanto fascinaban a Lartigue. Me ha parecido interesante mencionar ese diseño expositivo de los comisarios ya que parece como si las fotografías se ordenaran como si de un álbum fotográfico se tratarse. Paralelamente a la exposición se celebraron en los meses de marzo y abril unos seminarios en los que se abordaba de forma más profunda cada uno de estos paneles expositivos mencionados. Estrella de Diego fue la encargada de adentrarnos en cada uno de esos temas que más interesaron a Lartigue contextualizándolos y abriendo la vista al panorama de la fotografía durante aquel momento.
Regresando a nuestra visita de la exposición, creo que las imágenes más significativas que os podría mostrar son aquellas que cada uno de nosotros escogimos. La razón es que cada uno encuentra esa atracción por la fotografía por todo el bagaje de experiencias vividas y en la medida que uno es capaz de reconocerlo en una fotografía, ésta se vuelve atractiva y casi sin saber porqué.
Mientras visitábamos la exposición propusimos escoger una foto para comentar, aquella que nos llamara la atención, bien por su composición, por la calidad de la imagen, por su belleza o no menos importante por los recuerdos que pudiera evocarnos “la fotografía”. De hecho, puede suceder que al mirar una imagen nos quedemos absortos mirándola y preguntándonos cómo esa imagen es capaz de contarnos tantas cosas que se salen fuera de los límites de la propia imagen y abren ese campo ciego del que Barthes nos hablaba. Sin darnos cuenta puede ser un simple detalle o cualquier elemento que nos atrapa y llena de significación la fotografía. Este concepto reconocido por Barthes como punctum transforma la imagen que miramos en algo más nuestro al encontrar cierta analogía entre nuestra vida y la imagen observada y es lo que vuelve significativa la fotografía para el que la mira. Ese punctum no tiene porque ser descubierto por todos los que miran, incluso puede permanecer invisible dormido en el recuerdo dentro de la fotografía, y descubrirlo con el paso del tiempo.
Coincidiendo con Barthes, muchas de las fotografía que escogimos de la exposición de Lartigue mucho tienen que ver con esa evocación de la fotografía y que sin duda describe nuestra personal forma de mirar las imágenes.
En el primer panel de entrada con el título “El fluir del tiempo” aparece esta fotografía escogida por Mari Paz y es una de las fotos que le recordó especialmente momentos de su infancia en la que se veía a ella jugando con su hermano y que quizás sea un mínimo detalle para sentirnos protagonistas de escenas similares.

“Baño en mi habitación con hidrodeslizador de hélice. Foto realizada con mi Gaumont Block Notes colocada sobre una tabla. Dudu accionó el obturador”.París 1904

Ángel escogió una fotografía en el panel siguiente dedicado a la Mirada moderna. El amanecer es ese momento especial del día que hemos vivido no en ese mismo lugar, pero sí en otros lugares a los que nos traslada directamente al mirar esta fotografía. Angel también comento como junto a esta fotografía se situaba otra, pero del atardecer aunque para el es precisamente el amanecer lo que resulta evocador.

“Al alba”.Hyères,1929.

Carmen Rosa escogió una fotografía que dice mucho de cómo es ella. La imagen muestra a una mujer conduciendo o al menos la imagen sugiere que una mujer conduce un gran coche para la época, concretamente en 1926. Aparte de la fascinación de Rosa por aquel gran coche negro, ella nos comenta el sentir estar allí en aquel momento conduciendo ese gran coche como símbolo de modernidad pero no sólo por el coche, sino por el hecho de saber conducir y es que para aquella mujer sin duda debía ser todo un privilegio.

“Bibi con mi coche nuevo”.1926.

Dentro del panel dedicado a la ligereza, Samuel escogió la fotografía de Suzanne Lenglen suspendida en el aire mientras jugaba al tenis y en este caso es más la fascinación por la ingravided al apreciar ese instante junto con la extraña sombra recortada sobre la pista. Antonio también coincidió en su elección con esta fotografía y sin duda lo merece ya que el movimiento congelado de la figura nos hace ver instantes imperceptibles por nuestra vista.

“Suzanne Lenglen”.Niza, 1921.

Antonio nos comentó también sobre otra fotografía en la que aparece un grupo de chavales jugando al fútbol en la playa y son retratados jugando y con movimientos diferentes. La composición y el juego de equilibrio de cada uno de los cuerpos también merece la pena detenernos y es que parece como si se tratara de un baile.

Aquí me uno a contar algo de mi fotografía, pues mucho tiene que ver con ese baile de los cuerpos caminando por un muelle y son cuerpos azotados por el viento que temen caerse. Tanto el juego de luces y de movimiento, como la sensación de ir caminando por un espacio del que temes caerse me pareció espectacular y por eso no dudé en escogerla. La imagen se enmarcaba dentro de la vida moderna.

“Bibi, Ariet e Irene. Tormenta en Cannes”. 1929.

Otra de las fotos que me pareció entrañable fue la que escogió Ángeles. Es una foto estereoscópica que forma parte de una serie de imágenes en las que Marcelle trata de subirse al burro. Ángeles comenta como le recuerda a su pueblo y a situaciones similares que ella ha vivido en su infancia y que ese escena en concreto le sugiere. En realidad este tipo de imágenes forman parte de aquellas que no se suelen mostrar ya que se sobrentienden, pero que a Lartigue le interesan más que mostrar a la mujer subida ya en el burro.

“Marcelle Rouzat”.1912.

Por último, Chema a quien le gustaban todas las fotografías y que realmente le resultó difícil decidirse por una de ellas. Reneè y el reflejo en su espejo aparece retratada en varias ocasiones por Lartigue. Reneè fue amante y modelo que aparece en fotografías dedicadas a la vida moderna donde el pelo corto en la mujer ya era un signo de atrevimiento y modernidad.

Aquí os dejo algunas de las imágenes en las que Lartigue retrata a Renèe.

"Reneè".París. 1912

Peeter Tooming (1939-1997)

2011-06-04T09:25:00.000-07:00

“ El cine es mi trabajo, la fotografía es mi pasión”. Este pensamiento está latente en todo su trabajo fotográfico. En 1964 Tooming junto con otros fotógrafos fundaron un colectivo fotográfico llamado Stodom que se conviertió en un grupo más que conocido en dejar su impronta en la historia de la fotografía de Estonia. Peeter Tooming ha realizado cientos de exposiciones, las más destacadas: De vuelta a casa, La historia de un solo día, Desnudos en la prisión del Ayuntamiento entre otras tantas exposiciones.

Todas sus propuestas expositivas se caracterizaban por la originalidad e interés de cada una de ellas y sin duda se adelantaban al pensamiento de la época. Tooming creó el Premio anual de fotografía en 1983 así como un premio para jóvenes fotógrafos en 1986, lo cual le distinguía no sólo por su trabajo artístico, sino también por impulsar y fomentar el uso de la fotografía en Estonia.

Su fotografía forma parte del patrimonio artístico de la ciudad de Tallin en el que se nos muestran fotografías inspiradas en su tierra con una mirada asombrosamente contemporánea .Por otra parte, el interés por la historia de la fotografía queda reflejada en los numerosos artículos y publicaciones sobre el tema (Photo? Photo! Photo…,Silvery Road, About Photo Again, Attention, Snap! entre otras)

“55 años después” es el título de un libro que tras mucho esfuerzo publicó Tooming. En él retrataba la vida en Estonia del mismo modo que Carl Sarap lo hizó 55 años antes . En el libro Tooming trató de seguir los pasos de Sarap y fotografiar esos mismos lugares cincuenta y cinco años más tarde. Algunos de los temas que revelaban las fotografías también formaron parte en el formato cinematográfico como Moments, Fotorondo, Years, Photoworry.

Los documentales que realizaba para la televisión también destacaban por su originalidad. Podemos recordar uno de sus trabajos audiovisuales en los que se viajaba por diferentes rincones del país ensalzando siempre a la figura del fotógrafo como si se tratara de un auténtico héroe.

Aquí os muestro “Ühe päeva lugu”/ “La historia de un día” es un viaje que Tooming realizó en coche desde la señal kilométrica 15 hasta la 115. Este trabajo cuenta con 100 fotografías tomadas durante ese trayecto y en el que la fotografía se encarga de registrar el paso por cada uno de los lugares que representan los kilómetros recorridos durante el día. En las imágenes podemos ver la numeración de cada una de las señales kilométricas que nos marca ese paso por los lugares. Considero que se trata de una idea sencilla, sugerente y reflexiva para conocer un lugar que bien puede ser conocido o desconocido, y que sin embargo, despierta la curiosidad por saber que es lo que se esconde en cada pequeño espacio recorrido.

Podemos también hablar de los diferentes comienzos y finales de cada uno de los kilómetros recorridos ya que a la llegada de cada una de estas marcas se descubre un nuevo espacio para ser fotografiado. Citando a John Brinckerhoff Jackson “Las carreteras no sólo llevan a los lugares, sino que son los lugares”. Brinckerrhoff también estaba muy interesado en los trazados de las carreteras y coincide con Tooming en plantear como esos no lugares, esas señales kilométricas pueden ser una buena excusa para mirar y fotografiar, sin duda, hay una cuestión de actitud para plantearse qué fotografiar.

¿KILÓMETRO 113?

“Many have obviously understood already that taking a photograph does not mean pressing the buttom only but one should be well prepared for it, the photo does not have to be but a real-life reportage; the method of staying may yield good photos as well”

Peter Tooming, 1980

Elusive Tooming

Peeter Tooming was born on 1st of June in 1939 in Virumaa. He studied at Rakvere Gymnasium and later gradated as a journalist from Tartu University. For 33 years (1961.1994) he worked as director-cameraman of documentary Films at the Tallinnfilm. Later he was a freelance film and televisión director.

Peeter Tooming said, “Cinematography is my work, photography is my love”. And this is clearly revealed in his work. Already in 1964 he and the like-minded Bellow photographers founded a Photo Group Stodom that quickly became widely acknowledged and has Leith his imprint in the history of Estonian photography. He had over a hundred personal exhibitions(Returning Home, A tale of a day, Photo Nudes in the Tallinn Town Council´s Prison and others). These exhibitions were always intriguing and exciting, they were so obviously born ahead of their time. In order to offer encouragement to young photographers, Tooming established an annual prize (1983-1991) and then another for a young photographer (1986-1991).

His work took him everywhere in Estonia and made him aware of the Rich photographic Heritage. He became more and more interested in the history of photography and started Publishing articles and alter that books on photography (Photo! Photo? Photo…, Silvery Road, About Photo Again, Attention, Snap! and others). The books of photos 55 Years Later were a huge effort indeed. Peeter followed the footsteps of his colleague Carl Sarap, who had taken photos of whole Estonia 55 years before. Peeter´s books show the same places 55 years later (1990-1996). His topics were included in his Films as well (Moments, Photorondo, Years, Photoworry and others). His documentaries for televisión are original for choosing the hero from among village photographers, showing also their quirks and peculariarities. But great things appear as well…where then was the tiny spy camera Minox, a real wonder, actually invented? The story of the connection between the Minox and Estonia was first published thanks to Peeter Tooming.

II parte de museos de fotografía de los países bálticos

2011-05-26T09:55:00.000-07:00

TALLINN FOTOOMUSEUM

Esta vez es la ciudad de Tallin la protagonista de un museo de fotografía. Está ubicada en el centro de la Old Town de Tallin y muy cerquita de Raekoja plats. El edificio a pesar de ser una antigua cárcel ofrece un espacio bastante acogedor con dos plantas comunicadas por una estrecha escalera de caracol . El museo expone una colección bastante amplia del trabajo de fotógrafos más destacados en Estonia desde 1840 hasta 1940, así como una muestra de cámaras fotográficas y diferentes artilugios de interés para el fotógrafo del siglo XIX.
Me llamo especialmente la atención la recreación de un estudio fotográfico con un paisaje pintado de fondo para ambientar los retratos, una silla junto con un aparato para sostener la cabeza durante la toma de la fotografía. Precisamente las fotografías de estudio y esas primeras cámaras aparatosas exigían tiempos de exposición muy largos , de forma que también fue época para inventar artilugios durante la pose. Adjunto también una foto detalle para que os fijéis bien del curioso artilugio.

De la muestra de los fotógrafos destacaría en primer lugar a Charles Bordchardt que durante la segunda mitad del siglo XIX era bien conocido en Tallin por sus

curiosos retratos ya que Bordchardt estudiaba previamente al sujeto para saber cual

era la mejor manera de caracterizarle. En la exposición permanente se puede ver la serie de fotografías “Estonian Types” como retrato etnográfico de la vida rural en Estonia. Esta serie fue galardonada en 1867 con la gran medalla de plata en la exposición de Moscú precisamente por ser un excelente ejemplo de mostrar a través del retrato vestido cómo es la vida rural del país.

Otro de los fotógrafos es Nicolai Nyländer al que es considerado un artista en toda regla. A pesar de las dificultades vividas y que le llevaron a marchar de su tierra en 1939 Nyländer desarrollo todo su talento artístico dentro y fuera de Estonia.

Aunque Johannes Mülber era considerado más bien un fotógrafo “amateur” tiene también un rincón en el museo dedicado a su trabajo. Sus fotografías son una retrato de la sociedad en aquella época y forman parte de esa clase de fotografías que se identifican más bien con lo pictórico.

Además de esta colección permanente. El museo ofrece un espacio en la planta de arriba para exposiciones temporales de fotógrafos modernos y contemporáneos del país. En esta sala se expone el trabajo de Peeter Tooming al que dedicaremos más adelante un post. De momento, os dejo con esa entrada a la sala de exposiciones del Museo de Fotografía de Tallin y la señal del kilómetro 48 que forma parte de "La historia de un día"

PHOTO MUSEUM
4-6 Raekoja Street
Tallin 10146
http://linnamuuseum.ee/fotomuuseum/

The Photo museum is located in the medieval town council´s prison at the warden´s house in the Old Town. Both buildings were built in the mid-fifteenth Century, later rebuilt several times and restored in the late 1970s. The Photo Museum moved into the buildings in 1980. The story of Estonian photography from 1840-1940 unfolds in the historical interior, complemented by wonderful display of cameras from the Collection. The Photo cellar Lee in the Basement of the prison building is used for temporary Photo exhibitions.

(This text belongs to a tourist information leaflet of Tallinn)

33 Greenhouses

2011-05-13T09:35:00.000-07:00

Ivan Austers “33 Greenhouses” LATVIJAS FOTOGRAFIJAS MUZEJS (4.04.2011-08.05.2011)

Ivan Auster presenta una serie de treinta y tres fotografías en blanco y negro sobre invernaderos en diferentes lugares de Letonia. Las condiciones climatológicas de este país báltico no les permite el cultivo más que en zonas específicas y también en invernaderos que sus habitantes construyen con el fin de resguardar “algo” de las bajas temperaturas. Una vez que ha terminado la época de nieves este tipo de construcciones caseras florecen y se convierten en un elemento visible en el paisaje, sobre todo para el que no está acostumbrado. Algunas de las fotografías de Auster se muestran encerradas en unos recipientes de cristal lo que subraya su propio significado. Podría entenderse como documento visual sobre la variedad de invernaderos construidos en el país.

Tengo que dar testimonio de que efectivamente muchas de las casas letonas que se encuentran en el campo tienen su propio invernadero que además construyen ellos mismos y bien distintos entre ellos. Este tipo de construcciones se extiende también al resto de los países bálticos donde cada parcela de vivienda cuenta con su propio invernadero que define su paisaje. Aquí tenéis un ejemplo, aunque en color, de una de estas construcciones encontradas concretamente en la localidad de Sigulda.

Ivan Austers (1967), in his series has collected photographs of greenhouses in different places around Latvia. Each little construction is different. The photographer has stayed in a neutral position and has captures greenhouses from the point of view of a passerby .The Pictures have documentary characteristics and represents a visual testimony to people´ activities in the environment. Black and white pictures underline the relationship between light and darkness.
More information at the Latvian Museum of Photography

I parte: museos de fotografía de los países bálticos

2011-05-10T11:45:00.000-07:00

LATVIJAS FOTOGRAFIJAS MUZEJS

Todo hay que decirlo y es que gracias a la información cultural de una de estas revistas publicitarias que te sueles encontrar en el sillón del avión conocí este museo. De otra modo y muy difícilmente hubiera dado con ese lugar o hubiera pensado que Riga tiene su propio museo destinado exclusivamente a la fotografía. Os guío por este espacio dedicado a la fotografía y que se esconde en una de las calles de la old town the la ciudad de Riga.
El edificio y las escaleras que subes hasta llegar al museo te hacen dudar hacia donde te diriges y es que el edificio tiene siglos. Al llegar arriba te encuentras con el museo y el acceso a las salas. La muestra expositiva se divide en una exposición permanente y exposiciones temporales.
La segunda planta forma parte de un recorrido por la historia de la fotografía en Letonia desde 1839 hasta 1940. Peteris Korsaks es el historiador y dueño de esta colección que ha elaborado durante muchos años y en las que además de la muestra de fotografías que describen cómo eran las calles de Riga, se incluyen cámaras fotográficas, así como toda clase de artilugios singulares relacionados con su evolución. En esta misma planta también se puede visitar otro espacio con auténticas pinturas preparadas para los fondos que utilizaban los retratistas a principios del siglo XX.

Una mirada más contemporánea de la fotografía letona se expone en otras salas del edificio, concretamente en la tercera planta. Este espacio está dedicado a artistas y fotógrafos que muestran que la fotografía letona también participa del mundo de la fotografía contemporánea.
Cabe mencionar que el museo ofrecía una especie de librería improvisada y en donde descubrí un material estupendo sobre fotografía. Se trata de unas publicaciones realizadas sobre el Internacional Summer School of Photography que se celebra en el país y que convoca a los amantes de la fotografía a participar en talleres impartidos por diferentes artistas internacionales. Posteriormente hacen publicaciones con las fotografías más destacadas de cada uno de los participantes en el encuentro. Las publicaciones son geniales.

¿Cómo hacer una fotografía panorámica?

2011-04-20T14:07:00.000-07:00

Muchas veces nos hemos planteado el cómo se podrían realizar fotos panorámicas de forma automática. Sin duda, seguro que todos hemos tratado de unir diferentes fotografías de forma manual de la misma forma que David Hockney realizaba sus fascinantes panorámicas artísticas.A continuación podéis ver una de ellas.

Actualmente con el desarrollo de la imagen digital y el avance y posibilidades que brindan las cámaras digitales está opción está al alcance de cualquiera. Si buscas en el menú de tu cámara digital encontrarás una opción que de forma predeterminada te permite crear fotografías panorámicas .
Lo primero es buscar un motivo interesante para captar una panorámica y elegir la dirección acertada para que la imagen sea relevante. La clave después es mantener una misma posición, ángulo e ir moviendo ligeramente la cámara en la dirección y sentido que hayamos escogido para crear una secuencia de imágenes que formarán esa panorámica. El paso siguiente es combinar y unir todas esas fotos a través de un software de uso sencillo. Cada cámara ofrece un programa propio para crear sus panorámicas de forma sencilla, por tanto sólo tienes que revisar ese material que suelen incluir con la compra de la cámara. A través de Internet podemos encontrar programas sencillos que nos permiten crear la panorámica a través de una aplicación sencilla. Uno de los más utilizados es AutoStich.

Para aquellos que manejáis Photoshop también tienes la opción de crear panorámicas de tus fotografías.
Para crear la fotografía panorámica sigues la siguiente ruta: archivo/file, automate/convertir y finalmente encuentras la opción de photomerge. Seguidamente te aparecerá un menú para que puedas ir seleccionando las fotografías que te interesan para crear la panorámica. Esta aplicación te ofrece a su vez diferentes posibilidades para fusionar las imágenes de acuerdo con la intención que quieras darle a esa panorámica.
Aquí tienes un ejemplo de la panorámica realizada a través de Photoshop y a la que ha alterado los tonos utilizando filtros que delimitan los contornos y que modifican la saturación de los tonos originales de la fotografía.

La fotografía con webcam

2011-04-12T11:12:00.000-07:00

PhotoEspaña junto con la fundación Canal ha lanzado un concurso sobre fotografía realizada con webcam y de este modo promocionar la fotografía desde entornos cada vez más cotidianos. La webcam aparece no sólo como un recurso que posibilita comunicarnos y contactar con personas que están lejos, sino que abre también nuevas posibilidades dentro de la creación artística.

La temática de este concurso es el retrato y que sin duda supone un de los usos más extendidos de la webcam. El retrato debe ser interpretado en un sentido amplio, sin quedarnos en lo aparentemente obvio. Puede ser una fotografía que muestra nuestro rostro o que de lo contrario, lo oculta.También el cuerpo o una parte del mismo puede ser interpretado como un retrato o un objeto que pueda hablar por sí mismo.
Me viene a la mente una de las fotografías de Kertész que recientemente he podido ver en la Fundación Carlos Amberes de Madrid y en la que aparecía una fotografía de las manos de su madre y que sin duda son un excelente retrato de ella.

André Kertész,Hungría, 1916

Por tanto, es interesante plantearnos previamente ¿qué podría representar un retrato?

Si te animas a participar, recuerda que tienes hasta el próximo 27 de mayo para enviar tus retratos hechos con una webcam.Pincha aquí para ver más información.

Helen Levitt y su lírica urbana

2011-03-21T10:31:00.000-07:00

En algunas entradas anteriores se ha hecho referencia a la “street photography” sin mencionar a algunos fotógrafos y fotógrafas claves, pero siempre en espera de una buena oportunidad para poder hacerlo. En esta ocasión me gustaría hablar y mostrar algunas fotografías de Helen Levitt con motivo de la exposición que tiene lugar en la sala San Benito de Valladolid, un espacio dedicado a la fotografía.

Helen Levitt era fotógrafa y además una de las precursoras del cine independiente americano y siempre interesada por mostrar como era la vida en las calles de Nueva York desde 1936 hasta los años noventa. En la exposición también se puede ver "In the street" una película documental realizada con el escritor James Agee y la pintora Janice Loeb donde se muestra la vida de las calles de Nueva York en los años cuarenta.

Si miramos a sus fotografías vemos influencias claras de excelentes fotógrafos quienes además fueron sus grandes maestros . Por un lado el francés Henry Cartier Bresson de quien heredó el uso de la cámara Leica de 35 mm y el estadounidense Walker Evans quien le enseñó conceptos básicos sobre cómo es el proceso de revelado en el laboratorio fotográfico.
Me interesa por un lado mostrar dos fotografías de Cartier Bresson y Helen Levitt respectivamente de en las que ambos coinciden en retratar la vida urbana y dejar al espectador que observe ambas fotografías como si en un juego de diferencias se tratase.

También me gustaría hacer referencia a esas fotos de Helen Levitt en la que siempre aparecen los niños y sus juegos como tema principal en sus fotografías en blanco y negro. En realidad y según comenta ella misma los niños aparecen porque están ahí, son los protagonistas de las calles neoyorquinas junto a sus juegos. Además, Helen se interesa también por sus dibujos y mensajes y escritos en tiza sobre las paredes de las casas, el suelo de las calles y que les convierten en auténticos grafiteros de las calles neoyorquinas.
En una de sus publicaciones “The way of seeing “ se pueden observar indistintamente ambos tipos de fotografías: los juegos de los niños y un repertorio de mensajes y dibujos en tiza hechos por los propios niños.
Aunque Helen Levitt no dibujaba, sí le interesaba registrar dibujos, mensajes que reflejaban los pensamientos de los pequeños habitantes de las calles. Y si hablaramos de fotografía y dibujo habría que mencionar sin duda a Cartier- Bresson quien además de dibujar, describía la relación entre estos lenguajes y el tiempo atrapado.

"Fotografiar y dibujar:-puesta en paralelo.
La fotografía, es, para mí, el impulso espontáneo de una atención visual perpetua, que atrapa el instante y su eternidad.
El dibujo, por su grafología, elabora lo que nuestra conciencia ha atrapado de ese instante.
La fotografía es una acción inmediata; el dibujo una meditación".CARTIER-BRESSON, H.(2003):Fotografiar del natural.Gustavo Gili.Barcelona. p.35.

Helen Levitt. Lírica Urbana. Fotografías 1936-1993 es la exposición que se puede visitar hasta el próximo 3 de abril en la Sala Municipal de Exposiciones San Benito de Valladolid.

FOTO a c t i t u d e s

2011-03-07T12:23:00.000-08:00

Desde NOTODO se ofrece la posibilidad de participar en fotoACTITUDES.
Un proyecto que ofrece conversaciones con diferentes fotógrafos españoles como Gervasio Sánchez , Chema Madoz, José Manuel Navía entre otros.

Las conversaciones están divididas en diferentes capítulos que se van activando periódicamente. Después de sus sesiones cada fotógrafo lanzará una propuesta RETO para participar y conseguir una masterclass con él.

Te dejo una de las sesiones con Gervasio Sánchez para conocer un poco más sobre su trabajo. Si quieres seguir el resto de los capítulos pincha aquí.

Fotografiar sin cámara. Atrapa SOMBRAS

2011-02-18T10:52:00.000-08:00

S h a d o w Catchers

Os presento una estupenda exposición de fotografía en la que no se utiliza una cámara fotográfica. Y entonces alguien podría pensar. Pero… si la fotografía necesita una cámara ¿Quién ó qué se convierte en cámara?

Todo tiene una simple explicación y precisamente todos aquellos que hayan pasado por un laboratorio de blanco y negro recordarán los primeros fotogramas con los que se nos revelaba el misterio de la fotografía y descubríamos asombrados como un papel blanco puede transformarse en fotografía. En entradas anteriores ya hablamos precisamente de procedimientos similares a través de Man Ray, Moholy-Nagy o las cianotipias de Ana Atkins.

En la exposición “Shadow Catchers: camera-less photography” se recoge la muestra de cinco artistas contemporáneos Floris Neusüss, Susan Derges, Adam Fuss, Pierre Cordier y Garry Fabian Millar que trabajan la fotografía sin utilizar cámara fotográfica. Sus obras son creaciones fotográficas que juegan con la luz, la sombra y con emulsiones preparadas que hacen visible aquello que quieren atrapar en una fotografía.

La exposición tiene un recorrido marcado en el que se introduce al espectador en la variedad de procesos fotográficos que existen sobre fotografía sin cámara y continúa por un espacio dedicado a obras de cada artista, así como un vídeo de cada uno de ellos.

FLORIS NEÜSUSS (Born, 1937)

Son las primeras fotografías que encontramos. Floris Neussüs ha dedicado toda su vida a investigar y enseñar las posibilidades que ofrece el fotograma. Además es un defensor de la fotografía sin cámara, es conocido por sus fotogramas de cuerpo entero (körperfotogramms). Sus fotografías son imágenes de gran tamaño que utilizan la sombra o huella del cuerpo femenino como motivo principal.

Una de las fotografías que llama la atención es “El homenaje a Talbot: The Latticed Window, Lacock Abbey” con las dimensiones originales de la ventana que fue el motivo del primer negativo fotográfico realizado por Henry Fox Talbot en 1835. Neusüss cubrió todo el interior de la ventana con papel fotográfico utilizando la luz de la luna. La luz exterior dejo su dibujo en el papel que cubría las ventanas inmortalizando el mismo motivo que Talbot plasmó y que Neussüs realizó a tamaño natural.

Floris Neusüss (made in collaboration with Renate Heyne)

'Homage to Talbot: The Latticed Window, Lacock Abbey, 2010'

2010 (first made in 1978; new version commissioned for this exhibition)
Dye destruction print photograms
Width 315 cm x height 265 cm
Collection of the artist
© Courtesy of Floris Neusüss

A continuación podéis ver un vídeo en el que el mismo Neusüss explica el proceso de elaboración

de esta fotografía:

Floris Neusüss from Victoria and Albert Museum.

SUSAN DERGES (Londres, 1955)

Durante los años 90 Susan Derges fue bastante conocida por sus fotogramas de agua, realizados bajo la luz de la luna y en un espacio natural. Como si se tratara de un laboratorio fotográfico, Susan sumergía papeles emulsionados dentro del agua atrapando todos los movimientos del agua en sus fotografías. El agua como motivo clave de su obra guarda una significación especial para la artista como metáfora de la transformación.

El vídeo que vemos a continuación muestra todo el trabajo previo antes de salir por la noche al laboratorio fotográfico de la naturaleza.

Susan Derges from Victoria and Albert Museum.

ADAM FUSS (Londres, 1961)

Fue de forma casi accidental como Adam Fuss descubrió los fotogramas y a partir de aquel momento se interesó por experimentar y buscar otros procesos o formas de fotografiar sin la ayuda de la cámara.

El artista define su trabajo no como una forma de reproducir lo que aparece de forma obvia ante nuestros ojos, sino de mostrar y descubrir aquello que nos vemos y que permanece invisible a nuestros ojos.

Uno de sus primero fotogramas realizados en el laboratorio dibuja sobre el papel fotográfico diferentes círculos concéntricos. Esta obra Ark, fue creada de una forma similar a como ha trabajado Susan Derges pero dentro del laboratorio fotográfico. Adam colocó un papel fotográfico dentro de una bandeja cubierta con agua y dejó caer dentro una gota de agua. En ese momento la luz comenzaba a grabar aquel acontecimiento, haciendo visibles las sutiles ondas creadas por el movimiento de una simple gota de agua.

Para Adam, esta gota de agua contiene una significación añadida, más relacionada con lo metafísico. Como una sola gota de agua es capaz de generar un movimiento infinito a través de ondas. Es como la primera gota de lluvia que anuncia el diluvio. Este tipo de ondas concéntricas pueden encontrarse también en las pinturas de Hilma af Klint, un místico sueco con el que Adam Fuss se siente bastante identificado.

En general, todo guarda cierta vinculación con los recuerdos de su infancia y sus experiencias vividas. Su trabajo se concibe como elegías visuales centradas en temas universales como es la vida y la muerte y que en sus fotografías aparecen representadas con diferentes elementos y formas.

Adam Fuss from Victoria and Albert Museum

PIERRE CORDIER (Bruselas, 1933)

Descubrió uno de los procesos fotográficos denominado “quemigrama” en 1956. Durante muchos años se ha dedicado a explorar las posibilidades de esta técnica más dentro del campo experimental que artístico.

Los trabajos se acercan más al grabado o a la pintura que a la fotografía. Cordier sustituye el lienzo por el papel fotográfico. Como si se tratara de una plancha de grabado utiliza barnices, cera, pegamento, aceite o yema de huevo para reservar zonas y dejar visibles aquellas por donde la luz pasa. La superficie del papel después es trabajada, bien creando dibujos o realizando incisiones o incluso escribiendo texto sobre la superficie emulsionada. Una vez terminado se revela y fija en el laboratorio para obtener la imagen final.

Pierre Cordier from Victoria and Albert Museum .

GARRY FABIAN MILLER (Bristol, 1957)

Su preocupación principal es la luz, el tiempo y como combinar ambas en lo fotográfico. Muchas de sus obras exploran el paso del tiempo a través del ciclo de un día, de un mes o incluso de un año, pero además sugieren el paso del tiempo a través de la historia, el espacio y lo desconocido.

En las fotografías podemos ver series en las que una misma forma aparece repetida pero sensiblemente cambiada tras el paso del tiempo. Una hoja o un pétalo pueden ser motivos para mostrar esa transformación de su forma y de su color. Las series hacen visible a nuestros ojos ese cambio a través de sutiles transformaciones naturales.

Garry Fabian Miller from Victoria and Albert Museum.

Humanos. Acciones, Historia y Fotografía

2011-01-09T11:25:00.000-08:00

Con este título abre así el recién inagurado Centro de Arte de Alcobendas de Madrid. Un espacio que pretende ser referencia dentro de los espacios expositivos notables de la Comunidad de Madrid.

El centro cuenta con salas expositivas para exposiciones, un auditorio y sala de ensayos, así como dos mediatecas una para niños y otra para adultos con mobiliario exclusivamente diseñado para este espacio.

El edificio ha sido diseñado por el arquitecto Fernando Parrilla quien ha tratado de dotarlo de espacios ecológicos gracias a los paneles fotovoltáicos que cubren gran parte de la cubierta del edificio y una zona ajardinada en la espléndida terraza repleta de especies vegetales que no necesitan mantenimiento a priori. No cabe duda que el edificio rompe con el espacio que le rodea y esperemos que todos sus espacios alberguen propuestas y atractivas iniciativas que sirvan para enriquecer el entorno y atraer a sus vecinos a descubrir e interesarte por el arte.

La exposición de fotografía comisariaza por José Diaz Maroto es un recorrido cronológico por la historia de la fotografía desde el año 1900 hasta la fotografía más contemporánea.

La exposición está planteada como un recorrido cronológico donde no faltan nombres como Jean-Eugéne Atget, Edward Steichen, Paul Strand, Sally Mann , Tony Catany y los vanguardistas Man Ray, Rodchenko o Laszló Moholy- Nagy.

Abunda la fotografía española y varios premios nacionales de fotografía como Cristina García Rodero, Gervasio Sánchez y Ouka Leele. Alberto García Alix además de contar con algunas de sus fotografías también hay una proyección muy interesante sobre su trabajo que profundiza en su forma de mirar y enfrentarse al que posa para sus retratos.

También tenemos los collages de Joan Fontcubeta recompuestos con el programa Freeware de fotomosaico conectado on-line a google. Se trata de 10.000 imágenes que bajo diferentes criterios de búsqueda surge la fotografía final, un excelente ejemplo de cómo trabajar a partir de la apropiación de imágenes.

Uno de los proyectos que también recoge esta exposición son las fotografías de varios autores de la colección Imagina del CAF de Almería.

El proyecto Imagina forma parte de una propuesta que la Junta de Andalucía brindó a grandes fotógrafos para que plasmaran en fotografía su visión sobre la ciudad.

Entre las que más llamaron mi atención se encuentra un dibujo de Henry Cartier Bresson y unas fotografías del polaco Krzysztof Pruszkowski.

Visita recomendada.

¿Es posible fotografiar mientras caminas?

2010-12-20T11:58:00.000-08:00

Aquí os dejo algunas de las fotografías tomadas con mi cámara digital en las que voy tomando fotografías en movimiento, es decir con doble movimiento. Tiempos largos de exposición y el movimiento de mis propios pasos.

Daido Moriyama

2010-12-07T15:48:00.000-08:00

Daido Moriyama es un fotógrafo japonés interesado en retratar la sociedad japonesa contemporánea con una cámara fotográfica compacta.
Las imágenes que podéis ver a continuación son un excelente ejemplo de cómo es su trabajo. Antes de que llegue la noche sale a pasear por las calles de Tokio y comienza a fotografiar rincones, gente, objetos desde diferentes puntos de vista.Son fotografías espontáneas que reflejan instantes de un movimiento, de un recorrido de creación. Este vídeo lleva como título "Memories of a dog" ya que identifica esos paseos por la ciudad como los de un perro vagando por la ciudad.
Espero que os resulte interesante.

PHOTOQUOTES

2010-11-28T12:32:00.000-08:00

Cuántas veces hemos leído citas que después hemos perdido, olvidado y con el tiempo las recordamos.

A propósito de citas, siempre me gusta recordar ésta:"The camera is a tool that teaches people how to see without a camera". quoted in: Los Angeles Times (13 Aug. 1978).

Tiene mucho que ver cómo cada uno mira y cómo tú te identificas con cada frase. Esta cita está incluida desde los comienzos de este blog, junto con alguna otra de Cartier Bresson.

Recopilar citas de fotógrafos es precisamente un recurso que he encontrado navegando por la web y que te puede resultar en ocasiones más que útil para buscar alguna cita perdida.

En la página web http://www.photoquotes.com podrás revisar, buscar cualquier cita a partir de un gran listado de fotógrafos. Además Photoquotes no sólo recopila las citas más significativas de un montón de fotógrafos, además podrás ver las publicaciones más destacadas de cada uno de ellos.

A continuación dejo algunas de ellas que dan la clave de cómo es su mirada hacia la fotografía.

...it is not a factual photograph per se. The documentary photograph carries with it another thing, a quality in the subject that the artist responds to. It is a photograph which carries the full meaning of the episode or the circumstance or the situation that can only be revealed – because you can't really recapture it – by this other quality. There is no real warfare between the artist and the documentary photographer. He has to be both. - Dorothea Lange, Mary Ellen Mark : 25 Years by Marianne Fulton , ISBN: 0821218387 , Page: 26-27

This benefit of seeing...can come only if you pause a while, extricate yourself from the maddening mob of quick impressions ceaselessly battering our lives, and look thoughtfully at a quiet image...the viewer must be willing to pause, to look again, to meditate. -Dorothea Lange

I take photographs with love, so I try to make them art objects. But I make them for myself first and foremost--that is important. If they are art objects at the same time, that's fine with me. - Jacques-Henri Lartigue

The Chinese have a theory that you pass through boredom into fascination and I think it's true. I would never choose a subject for what it means to me or what I think about it. You've just got to choose a subject - and what you feel about it, what it means, begins to unfold if you just plain choose a subject and do it enough. - Diane Arbus

You should never think without an image. - Aristotle

The soul can not think without a picture. - Aristotle

Aplausos por fotografías

2010-11-20T14:10:00.000-08:00

En esta ocasión voy a hacer referencia a una iniciativa bastante atractiva en relación con la fotografía que tuve el placer de disfrutar.

Fue la V edición de Photoaplauso que tuvo lugar el pasado 11 de noviembre a las 22 horas detrás del teatro Coliseum de Madrid.

Photoaplauso utiliza espacios de la ciudad para convertirlos en espacios expositivos callejeros. Para esta edición fue la calle San Ignacio de Loyola muy próxima a la Gran Vía.

Esta vez, una de las paredes traseras del Teatro se improvisó como pantalla de proyección de fotografías. Los trabajos presentados pertenecen a diferentes autores y con temáticas dispares. Cada autor mostraba una presentación de fotografías con una línea temática en sus imágenes, mientras de fondo una música sonaba.

Cabe destacar una de las últimas proyecciones de fotografías que presentaba un mismo fragmento de un anuncio publicitario del metro fotografiado en diferentes estaciones. Es curioso como la gente puede llegar a convertirse en creador anónimo a través de sus colaboraciones callejeras con los anuncios publicitarios. Esta proyección era un excelente ejemplo de cómo hacerlo.

Lo interesante es que esta idea de Photoaplauso continua y ya tiene su próxima edición abierta a cualquiera que le interese dar a conocer su trabajo fotográfico añadiendo unos cuantos aplausos de recompensa.

Os dejo el blog donde podéis ver con más detalle las diferentes ediciones.

Matt Stuart street photographer

2010-11-10T15:53:00.000-08:00

Os dejo un vídeo donde el británico Matt Stuart nos explica cómo realiza su "street photography". Paciencia y cámara en mano para captar momentos de cómo la gente vive sus vidas y captarlas en una fotografía.

Un estupendo vídeo, disfrutadlo.

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Be your enemy

2010-05-01T09:26:00.000-07:00

El artista

Teemü Maki es doctor en Bellas Artes por la Academia de Bellas Artes de Helsinki, artista multidisciplinar y profesor de arte en la Escuela de Arte y Diseño de la Universidad de Aalto de Helsinki.

El taller

El proyecto ”Be your enemy” fue un encargo que el Teatro del Museo de Arte Contemporáneo de Helsinki le propuso al artista preparar un taller de fotografía para niños dentro del festival subURB en el año 2003. Tras el éxito del taller en Helsinki , Maki decidió que el taller podía llevarse a cabo no sólo con niños, y ampliar la participación a adolescentes y adultos. Los talleres se han realizado también en las ciudades de Turku y Lahti de Finlandia y en San Petersburgo en Rusia.
El taller consistía en realizar un autorretrato que consistía en realizar tres fotografías formando un “Idol/Self/Enemy” tríptico.
La primera de las fotografías consistía en que cada participante pensara en alguien a quien admiran y a quien les gustaría parecerse tratando de disfrazarse, maquillarse de forma similar. La pose también es algo importante para dar carácter al personaje además de la propia apariencia del disfraz.
La segunda fotografía del tríptico consiste en hacer un retrato de uno mismo mostrándose tal y cómo es en su día a día, sin ningún tipo de pretensiones y de la forma más natural posible.
La tercera y última fotografía consiste en posar y disfrazarse como su peor enemigo.
Para preparar la imagen del ídolo y del enemigo se contaba con la ayuda de maquilladores profesionales y diseñadores de moda que ayudaban a cada participante a caracterizar y asemejarse lo más posible a quien trataban de imitar.
Uno de los aspectos relevantes del proyecto era considerar que tanto el acto de posar como el de fotografiar eran importantes para la fotografía.
Es una propuesta práctica que encaja perfectamente con las características del jugar a ser… donde el juego de disfrazarse y representar a un personaje es tan importante como el que debe construir la imagen del que lo caracteriza.

Para más información visitar: http://www.teemumaki.com

Kingsmead Eyes

2010-03-19T15:31:00.000-07:00

Kingsmead Eyes
Es el proyecto llevado a cabo por el fotógrafo Gideon Mendel y niños de primaria de la escuela Kingsmead de Inglaterra.
A partir de una formación básica en el manejo de la cámara digital se les animó a manejar la cámara para tomar sus propias fotografías.Cada niño tomaba fotografías de su día a día de aquellos espacios, personas significativos en sus vidas. Aprovechando la diversidad de alumnado que ofrecía el centro las fotografías de cada uno se convertían en un retrato colectivo del centro.

Este trabajo se presentó en El Museo de los niños del Victoria & Albert Museum de Londres del 7 de noviembre al 7 de febrero de 2010.
A continación se pueden ver algunas de las fotografías expuestas, así como una breve nota escrita por el propio niño.

“Aquí he colgado mi calcetín de la suerte. La suerte gira a su alrededor.
Yo gané un partido de fútbol, marqué un penalti que supuso ganar el partido. El siguiente partido que ganamos, fue hace un mes. Mi entrenador me dijo: hoy no fue cuestión de suerte”

En el vídeo se pueden ver algunas de las imágenes y escuchar a cada niño comentando su fotografía.Puedes encontrar más información en los enlaces de PROYECTOS del blog.

Kingsmead Eyes from Kingsmead Eyes on Vimeo.

Como hacer rayogramas digitales

2010-03-12T13:46:00.000-08:00

FAUXTOGRAMS es una sencilla aplicación en la red donde podemos crear nuestros propios fotogramas virtuales y experimentar con la luz como sí estuvieramos en el laboratorio.
La aplicación permite introducirnos virtualmente en la creación de este tipo de imágenes a partir de ciertos objetos prediseñados por la aplicación. Puedes selecionarlos, transformarlos y jugar con la la luz y las sombras.
Pincha aquí para comenzar a realizar tu fotograma.

Como mirar a través del visor de tu cámara

2009-09-28T06:50:00.001-07:00

El punto en la imagen

View more presentations from NOEMIPS.

Autorretratos

2009-03-20T06:57:00.000-07:00

Este trabajo destaca por la creación de singulares autorretratos de niños en una escuela elemental de Colorado.
La página contiene toda un proceso de elaboración del autorretrato incluyendo desde notas, textos, dibujos de ellos mismos retratandose y tratando de ilustrar rasgos que les caracterizan.
No te lo pierdas.

http://literacythroughphotography.wordpress.com/

Helena ALMEIDA en la Fundación Telefónica

2008-12-06T06:01:00.000-08:00

"Tela ROSA para vestir" da título a la exposición de fotografía de la Fundación Telefónica de Madrid y que se podrá visitar hasta el 18 de Enero de 2009.

La exposición se compone de series de imágenes fotográficas de secuencias de una acción. Acciones realizadas con el cuerpo y que a través de varios fotogramas narran la historia combinando fotografía, pintura, dibujo y sobretodo el JUEGO.

Aunque ella aparece en las series fotográficas, su figura no aparece como modelo, sino como vehículo para transmitir un mensaje.
Detrás de las imágenes hay ideas, dibujos preparatorios que realiza para elaborar todas esas acciones o juegos para crear sus imágenes. No hay que perderse estos dibujos ubicados en un espacio más apartado de la sala. Dentro de una vitrina se esconden bocetos que sirven a Helena como colección de ideas y juegos visuales que prepara posteriormente en sus fotografías.

"Mi obra es mi cuerpo, mi cuerpo es mi obra". Con estas palabras, Helena Almeida intenta resumir el contenido de una exposición donde la propia artista es el objeto retratado. Aunque en diferentes etapas de su vida ha recurrido a la escultura o la pintura para manifestarse, la fotografía es el lenguaje en el que la creadora lisboeta ha compendiado las otras formas de expresión artística.
EL País 21/1/2008

Destaco las siguientes: Serie volar (2001),Siénteme (1979), Dentro de mí (1997),La ola (1997).

Helena ALMEIDA en la Bienal de Lisboa de 2005.

Uso de tu cámara digital

2008-11-29T16:56:00.001-08:00

Introducidos por un viaje a lo largo de la historia de la cámara fotográfica hasta completar con un rápido y útil manejo de una cámara digital cualquiera.
¿Quién hubiera imaginado que la primera cámara con dimensiones de una habitación(diapositiva 2) se covertiría en una pequeña cámara digital de bolsillo?
La accesibilidad a las cámaras digitales de bolsillo puede resultarnos algo cotidiano pero no dejarían impasible aquel dibujante de la primera cámara obscura tratando de plasmar en un papel aquella realidad imposible de atrapar.

Esta presentación resume ese recorrido y trata de aconsejar en sencillos pasos cómo cualquiera puede pararse unos minutos para pensar cómo hacer una fotografía.
No por tener la mejor cámara tendremos la mejor fotografía,así que tenemos que enseñar a nuestro ojo cómo mirar a través del objetivo de una cámara.
Escoger el motivo, el encuadre, el zoom, calibrar la luz y saber disparar son pasos importantes para hacer ua fotografía.
En ocasiones, las instrucciones de ciertos aparatos incluída la cámara digital se quedan en el olvido, confiando en nuestra destreza y habilidad durante el manejo.
Esta presentación no pretende ser un manual mágico de instrucciones, pero sí recordar algunos aspectos que pueden resultar de gran ayuda para mejorar considerablemente nuestras próximas imágenes.
Un viaje en cuatro pasos.

Fotografiayluz

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Referencias a la obra de Jan Hendrix

2008-11-03T08:40:00.000-08:00

Del 29 de octubre al 2 de noviembre ha tenido lugar ESTAMPA: Salón Internacional del Grabado y Ediciones del Arte Contemporáneo.
Como artista invitado a la feria hemos podido visitar la obra de Jan Hendrix que con inpiración naturalista trata de plasmar experiencias del paisaje a través de diferentes técnicas gráficas. Las imágenes representan fragmentos de árboles, ramas, tejidos naturales que componen obras que recopilan un jardín botánico atrapado en un soporte.

Por el contraste del blanco y negro de algunas de las obras pueden parecer a primera vista fotogramas y otras reproducciones fotográficas tratadas digitalmente.
Imágenes en blanco y negro, rojo y negro conforman series en metal esmaltado que no dejan indiferente al espectador.

Estampa08

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Os invito a visitar su página para conocer algo más de su obra.

http://www.janhendrix.com.mx/espanol/

Cómo hacer fotos detalle utilizando el macro de tu cámara digital

2008-10-11T09:47:00.000-07:00

Las cámaras digitales nos ofrecen la posibilidad de realizar fotografías de planos detalle con gran calidad.Tan sólo debes conocer el significado de los iconos que aparecen en el dial de tu cámara.

Una flor como símbolo de MACRO, indica la posibilidad de hacer foco a muy corta distancia dependiendo de cada equipo fotográfico.Generalemente la cámara digital tiene selecionado por defecto la opción representada por una montaña y que precisan de una distancia mínima superior para hacer foco.
Con la opción MACRO podrás hacer detalles de insectos, plantas, flores y aquellas formas que desees sacar todo el detalle.
Para realizar tus fotos detalle tan sólo debes escoger el motivo, seleccionar la opción macro en tu dial, aproximarte a corta distancia y probar.Te quedarás sorprendido de los resultados.
A continuación adjunto algunas imágenes realizadas con la función MACRO.

¡Prueba la opción de tu cámara de realizar macros y disfruta!

Por último, incluyo un vídeo por si quieres sacar el máximo partido a tu cámara fotográfica y tomar macros de gran calidad.Utilizando una lente de prismáticos puedes conseguir resultados sorprendentes.En el vídeo se incluyen efectos para tamizar la luz del flash, muy recomendable para las fotos detalle.

Improve Your Camera ! - video powered by Metacafe

La cianotipia

2008-09-23T05:09:00.000-07:00

Uno de los procesos fotogáficos más antiguos que se conocen(1842) y que produce impresiones monócromas sobre un soporte previamente emulsionado. Este proceso no require de la utilización de una cámara fotográfica,ni tampoco de un laboratorio, por lo que resulta una práctica interesante para entender la formación de una imagen fotográfica.
Una forma de reflexionar y de sorprender al alumno en cómo se origina una imagen a través de una técnica que se puede trabajar en contacto con la naturaleza.
La utilización de materiales de reciclaje, objetos o cualquier elemento del entorno sirven para dejar huella sobre un soporte tratado por ellos mismos.

Encontré la cianotipia como un proceso de fácil realización y que sirve para entender el origen de la huella en la imagen fotográfica.

A continuación tienes una presentación para conocer más detalladamente como realizar una cianotipia.

La Cianotipia

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Aquí tienes unas cianotipias realizadas sobre diferentes tipos de papel.Convien utilizar un papel poroso y absorbente como el papel de acuarela y de grabado.Dan muy buen resultado los papeles coloreados.

Henry CARTIER BRESSON

2008-06-19T16:20:00.000-07:00

La Obra social La Caixa nos ofrece la exposición de Henry CARTIER BRESSON en el antiguo Hospital de Santa María la Rica de Alcalá de Henares del 29 de mayo al 29 de junio de 2008.

Fotografía e infancia

2008-06-09T16:15:00.000-07:00

Born into brothels da título a una película en la que Zana Briski aparece como protagonista tratando de integrar en la sociedad a un grupo de niños y niñas del barrio rojo de Calculta.La fotografía es el vínculo que lleva a ésta fotógrafa a trabajar con niños y niñas de los barrios más desfavorecidos. El interés por aprender, la iluasión de tomar sus propias fotografías con cámaras analógicas sirven de referente para comprender la vida de estos niños.

Si quieres ver más sobre los trabajos fotográficos de los niños y niñas del barrio rojo pincha aquí

Es un documental que muestra cómo cada uno de los niños y niñas del barrio Rojo, pasean, disfrutan y miran su propio entorno captando instantes decisivos.

A continuación tienes un fragmento de la película.Espero que te resulte interesante.

Además en la página web tienes otros proyectos fotográficos realizados en diferentes lugares.Aquí tienes unas fotografías tomadas por Zuhir, un niño palestino de 10 años.

Los fotogramas

2008-04-23T05:15:00.000-07:00

LAsZLO MOHOLY- NAGY (1895-1947)

Natural de Hungría, a la edad de 23 años decidió convertirse en artista donde comenzó a realizar pinturas y dibujos con cierta influencia expresionista.Posteriormente aprendió fotografía,lenguaje con el que después trabajaría. En 1920 se fue a Berlín donde entró en contacto con grupos dadaístas.Es allí donde comenzó a trabajar con la fotografía y donde llegaron sus primeros exitos con los fotogramas.

La cámara era un instrumento que permitía ampliar la visión y abrir la mente a nuevas disposiciones o nuevas formas de mirar.

"En cierta ocasión, mirando una fotografía que había realizado años antes desde una torre de un puente en Marsella, su atención quedó concentrada como si se tratara de algo nuevo y ajeno."¡Qué hermosa forma!", dijo apuntando a una cuerda enrrollada."¡Nunca lo había visto antes!" No le importaba quién había hecho la fotografía, ni por qué."(Pág.206.Beaumont Newhall.Hº de la Fotografía")

Sin embargo, los fotogramas son ejercicios sobre la luz y la forma, diseños arquitectónicos en su composición: para él los objetos colocados sobre el papel sensible eran moduladores de la luz y dejaban de ser objetos identificables.
Aparentemente la luz y podría ser el elemento configurador de las imágenes, pero la forma y combinación de los pequeños objetos fascinaban al fotógrafo a la hora de componer sus arquitecturas fotográficas, tal y como hemos visto en la anécdota anterior.

Aquí tienes un vídeo en el que podrás ver las posibilidades que ofrecen los fotogramas y como jugar con diferentes objetos para la creación de extrañas composiciones.

El fenómeno de invertir los tonos, era conocido por lo hombres de la
ciencia como el efecto Sabatier, en castellano solarización. Esta técnica
y el trabajo de fotos en negativo fue utilizada también por Man Ray.
Los trabajos de Man Ray y más concretamente sus fotogramas eran
composiciones de objetos que evocaban significados.

Por ejemplo, los doce rayogramas que publicó en 1922 "Les Champs dèlicieux". Contienen objetos tales como una llave marcada con un número de cuarto de hotel, una pistola, un abanico, un giroscopio, un fragmento de película cinematofotográfica.Su amigo Tristan Tzara escribió en el ensayo de Introducción para esta colección:

"El fotógrafo encendió la energía de las mil bujías en su lámpara y, poco a poco, el papel sensible se empapó del negro que delineaban los objetos cotidianos.Había descubierto el poder de un tierno y fresco destello de luz, que va más allá de todas las constelaciones ideadas para el placer visual.La precisa, singular y exacta alteración mecánica de la forma queda fijada: tan nítida como un cabello filtrado por un haz de luz."

The return to reason.France.1923

2008-04-23T05:11:00.000-07:00

Fotogramas

2008-04-23T05:03:00.000-07:00

"La fotografía encajaba perfectamente en el programa creativo de los constructivistas rusos: producida maquinalmente, practicada universalemente y universalmente comprensible, y sin necesidad de derivar a los ismos artísticos.Para quienes, como los dadaístas repudiaban el individualismo y la expresión personal, atribuída al arte burgués, la fotografía engranaba en los resortes del nuevo estamento soviéticopor su proximidad a las apariencias aceptadas; de ahí su eminentemente adecuada aplicación a la propaganda visual (carteles, revistas ilustradas, libros gráficos y murales".(Aaron Scarff,pág.40.Esética fotográfica.)

Man Ray in motion