33 Greenhouses

Ivan Austers “33 Greenhouses” LATVIJAS FOTOGRAFIJAS MUZEJS (4.04.2011-08.05.2011)











Ivan Auster presenta una serie de treinta y tres fotografías en blanco y negro sobre invernaderos en diferentes lugares de Letonia. Las condiciones climatológicas de este país báltico no les permite el cultivo más que en zonas específicas y también en invernaderos que sus habitantes construyen con el fin de resguardar “algo” de las bajas temperaturas. Una vez que ha terminado la época de nieves este tipo de construcciones caseras florecen y se convierten en un elemento visible en el paisaje, sobre todo para el que no está acostumbrado. Algunas de las fotografías de Auster se muestran encerradas en unos recipientes de cristal lo que subraya su propio significado. Podría entenderse como documento visual sobre la variedad de invernaderos construidos en el país.

Tengo que dar testimonio de que efectivamente muchas de las casas letonas que se encuentran en el campo tienen su propio invernadero que además construyen ellos mismos y bien distintos entre ellos. Este tipo de construcciones se extiende también al resto de los países bálticos donde cada parcela de vivienda cuenta con su propio invernadero que define su paisaje. Aquí tenéis un ejemplo, aunque en color, de una de estas construcciones encontradas concretamente en la localidad de Sigulda.



Ivan Austers (1967), in his series has collected photographs of greenhouses in different places around Latvia. Each little construction is different. The photographer has stayed in a neutral position and has captures greenhouses from the point of view of a passerby .The Pictures have documentary characteristics and represents a visual testimony to people´ activities in the environment. Black and white pictures underline the relationship between light and darkness.
More information at the Latvian Museum of Photography

I parte: museos de fotografía de los países bálticos

LATVIJAS FOTOGRAFIJAS MUZEJS



Todo hay que decirlo y es que gracias a la información cultural de una de estas revistas publicitarias que te sueles encontrar en el sillón del avión conocí este museo. De otra modo y muy difícilmente hubiera dado con ese lugar o hubiera pensado que Riga tiene su propio museo destinado exclusivamente a la fotografía. Os guío por este espacio dedicado a la fotografía y que se esconde en una de las calles de la old town the la ciudad de Riga.
El edificio y las escaleras que subes hasta llegar al museo te hacen dudar hacia donde te diriges y es que el edificio tiene siglos. Al llegar arriba te encuentras con el museo y el acceso a las salas. La muestra expositiva se divide en una exposición permanente y exposiciones temporales.
La segunda planta forma parte de un recorrido por la historia de la fotografía en Letonia desde 1839 hasta 1940. Peteris Korsaks es el historiador y dueño de esta colección que ha elaborado durante muchos años y en las que además de la muestra de fotografías que describen cómo eran las calles de Riga, se incluyen cámaras fotográficas, así como toda clase de artilugios singulares relacionados con su evolución. En esta misma planta también se puede visitar otro espacio con auténticas pinturas preparadas para los fondos que utilizaban los retratistas a principios del siglo XX.




Una mirada más contemporánea de la fotografía letona se expone en otras salas del edificio, concretamente en la tercera planta. Este espacio está dedicado a artistas y fotógrafos que muestran que la fotografía letona también participa del mundo de la fotografía contemporánea.
Cabe mencionar que el museo ofrecía una especie de librería improvisada y en donde descubrí un material estupendo sobre fotografía. Se trata de unas publicaciones realizadas sobre el Internacional Summer School of Photography que se celebra en el país y que convoca a los amantes de la fotografía a participar en talleres impartidos por diferentes artistas internacionales. Posteriormente hacen publicaciones con las fotografías más destacadas de cada uno de los participantes en el encuentro. Las publicaciones son geniales.

¿Cómo hacer una fotografía panorámica?

Muchas veces nos hemos planteado el cómo se podrían realizar fotos panorámicas de forma automática. Sin duda, seguro que todos hemos tratado de unir diferentes fotografías de forma manual de la misma forma que David Hockney realizaba sus fascinantes panorámicas artísticas.A continuación podéis ver una de ellas.



Actualmente con el desarrollo de la imagen digital y el avance y posibilidades que brindan las cámaras digitales está opción está al alcance de cualquiera. Si buscas en el menú de tu cámara digital encontrarás una opción que de forma predeterminada te permite crear fotografías panorámicas .
Lo primero es buscar un motivo interesante para captar una panorámica y elegir la dirección acertada para que la imagen sea relevante. La clave después es mantener una misma posición, ángulo e ir moviendo ligeramente la cámara en la dirección y sentido que hayamos escogido para crear una secuencia de imágenes que formarán esa panorámica. El paso siguiente es combinar y unir todas esas fotos a través de un software de uso sencillo. Cada cámara ofrece un programa propio para crear sus panorámicas de forma sencilla, por tanto sólo tienes que revisar ese material que suelen incluir con la compra de la cámara. A través de Internet podemos encontrar programas sencillos que nos permiten crear la panorámica a través de una aplicación sencilla. Uno de los más utilizados es AutoStich.

Para aquellos que manejáis Photoshop también tienes la opción de crear panorámicas de tus fotografías.
Para crear la fotografía panorámica sigues la siguiente ruta: archivo/file, automate/convertir y finalmente encuentras la opción de photomerge. Seguidamente te aparecerá un menú para que puedas ir seleccionando las fotografías que te interesan para crear la panorámica. Esta aplicación te ofrece a su vez diferentes posibilidades para fusionar las imágenes de acuerdo con la intención que quieras darle a esa panorámica.
Aquí tienes un ejemplo de la panorámica realizada a través de Photoshop y a la que ha alterado los tonos utilizando filtros que delimitan los contornos y que modifican la saturación de los tonos originales de la fotografía.

La fotografía con webcam

PhotoEspaña junto con la fundación Canal ha lanzado un concurso sobre fotografía realizada con webcam y de este modo promocionar la fotografía desde entornos cada vez más cotidianos. La webcam aparece no sólo como un recurso que posibilita comunicarnos y contactar con personas que están lejos, sino que abre también nuevas posibilidades dentro de la creación artística.

La temática de este concurso es el retrato y que sin duda supone un de los usos más extendidos de la webcam. El retrato debe ser interpretado en un sentido amplio, sin quedarnos en lo aparentemente obvio. Puede ser una fotografía que muestra nuestro rostro o que de lo contrario, lo oculta.También el cuerpo o una parte del mismo puede ser interpretado como un retrato o un objeto que pueda hablar por sí mismo.
Me viene a la mente una de las fotografías de Kertész que recientemente he podido ver en la Fundación Carlos Amberes de Madrid y en la que aparecía una fotografía de las manos de su madre y que sin duda son un excelente retrato de ella.



André Kertész,Hungría, 1916

Por tanto, es interesante plantearnos previamente ¿qué podría representar un retrato?

Si te animas a participar, recuerda que tienes hasta el próximo 27 de mayo para enviar tus retratos hechos con una webcam.Pincha aquí para ver más información.

Helen Levitt y su lírica urbana

En algunas entradas anteriores se ha hecho referencia a la “street photography” sin mencionar a algunos fotógrafos y fotógrafas claves, pero siempre en espera de una buena oportunidad para poder hacerlo. En esta ocasión me gustaría hablar y mostrar algunas fotografías de Helen Levitt con motivo de la exposición que tiene lugar en la sala San Benito de Valladolid, un espacio dedicado a la fotografía.

Helen Levitt era fotógrafa y además una de las precursoras del cine independiente americano y siempre interesada por mostrar como era la vida en las calles de Nueva York desde 1936 hasta los años noventa. En la exposición también se puede ver "In the street" una película documental realizada con el escritor James Agee y la pintora Janice Loeb donde se muestra la vida de las calles de Nueva York en los años cuarenta.

Si miramos a sus fotografías vemos influencias claras de excelentes fotógrafos quienes además fueron sus grandes maestros . Por un lado el francés Henry Cartier Bresson de quien heredó el uso de la cámara Leica de 35 mm y el estadounidense Walker Evans quien le enseñó conceptos básicos sobre cómo es el proceso de revelado en el laboratorio fotográfico.
Me interesa por un lado mostrar dos fotografías de Cartier Bresson y Helen Levitt respectivamente de en las que ambos coinciden en retratar la vida urbana y dejar al espectador que observe ambas fotografías como si en un juego de diferencias se tratase.






También me gustaría hacer referencia a esas fotos de Helen Levitt en la que siempre aparecen los niños y sus juegos como tema principal en sus fotografías en blanco y negro. En realidad y según comenta ella misma los niños aparecen porque están ahí, son los protagonistas de las calles neoyorquinas junto a sus juegos. Además, Helen se interesa también por sus dibujos y mensajes y escritos en tiza sobre las paredes de las casas, el suelo de las calles y que les convierten en auténticos grafiteros de las calles neoyorquinas.
En una de sus publicaciones “The way of seeing “ se pueden observar indistintamente ambos tipos de fotografías: los juegos de los niños y un repertorio de mensajes y dibujos en tiza hechos por los propios niños.
Aunque Helen Levitt no dibujaba, sí le interesaba registrar dibujos, mensajes que reflejaban los pensamientos de los pequeños habitantes de las calles. Y si hablaramos de fotografía y dibujo habría que mencionar sin duda a Cartier- Bresson quien además de dibujar, describía la relación entre estos lenguajes y el tiempo atrapado.

"Fotografiar y dibujar:-puesta en paralelo.
La fotografía, es, para mí, el impulso espontáneo de una atención visual perpetua, que atrapa el instante y su eternidad.
El dibujo, por su grafología, elabora lo que nuestra conciencia ha atrapado de ese instante.
La fotografía es una acción inmediata; el dibujo una meditación".CARTIER-BRESSON, H.(2003):Fotografiar del natural.Gustavo Gili.Barcelona. p.35.








Helen Levitt. Lírica Urbana. Fotografías 1936-1993 es la exposición que se puede visitar hasta el próximo 3 de abril en la Sala Municipal de Exposiciones San Benito de Valladolid.

FOTO a c t i t u d e s

Desde NOTODO se ofrece la posibilidad de participar en fotoACTITUDES.
Un proyecto que ofrece conversaciones con diferentes fotógrafos españoles como Gervasio Sánchez , Chema Madoz, José Manuel Navía entre otros.

Las conversaciones están divididas en diferentes capítulos que se van activando periódicamente. Después de sus sesiones cada fotógrafo lanzará una propuesta RETO para participar y conseguir una masterclass con él.

Te dejo una de las sesiones con Gervasio Sánchez para conocer un poco más sobre su trabajo. Si quieres seguir el resto de los capítulos pincha aquí.

Fotografiar sin cámara. Atrapa SOMBRAS

S h a d o w Catchers

Os presento una estupenda exposición de fotografía en la que no se utiliza una cámara fotográfica. Y entonces alguien podría pensar. Pero… si la fotografía necesita una cámara ¿Quién ó qué se convierte en cámara?

Todo tiene una simple explicación y precisamente todos aquellos que hayan pasado por un laboratorio de blanco y negro recordarán los primeros fotogramas con los que se nos revelaba el misterio de la fotografía y descubríamos asombrados como un papel blanco puede transformarse en fotografía. En entradas anteriores ya hablamos precisamente de procedimientos similares a través de Man Ray, Moholy-Nagy o las cianotipias de Ana Atkins.

En la exposición “Shadow Catchers: camera-less photography” se recoge la muestra de cinco artistas contemporáneos Floris Neusüss, Susan Derges, Adam Fuss, Pierre Cordier y Garry Fabian Millar que trabajan la fotografía sin utilizar cámara fotográfica. Sus obras son creaciones fotográficas que juegan con la luz, la sombra y con emulsiones preparadas que hacen visible aquello que quieren atrapar en una fotografía.

La exposición tiene un recorrido marcado en el que se introduce al espectador en la variedad de procesos fotográficos que existen sobre fotografía sin cámara y continúa por un espacio dedicado a obras de cada artista, así como un vídeo de cada uno de ellos.

FLORIS NEÜSUSS (Born, 1937)

Son las primeras fotografías que encontramos. Floris Neussüs ha dedicado toda su vida a investigar y enseñar las posibilidades que ofrece el fotograma. Además es un defensor de la fotografía sin cámara, es conocido por sus fotogramas de cuerpo entero (körperfotogramms). Sus fotografías son imágenes de gran tamaño que utilizan la sombra o huella del cuerpo femenino como motivo principal.

Una de las fotografías que llama la atención es “El homenaje a Talbot: The Latticed Window, Lacock Abbey” con las dimensiones originales de la ventana que fue el motivo del primer negativo fotográfico realizado por Henry Fox Talbot en 1835. Neusüss cubrió todo el interior de la ventana con papel fotográfico utilizando la luz de la luna. La luz exterior dejo su dibujo en el papel que cubría las ventanas inmortalizando el mismo motivo que Talbot plasmó y que Neussüs realizó a tamaño natural.

Floris Neusüss (made in collaboration with Renate Heyne)

'Homage to Talbot: The Latticed Window, Lacock Abbey, 2010'

2010 (first made in 1978; new version commissioned for this exhibition)
Dye destruction print photograms
Width 315 cm x height 265 cm
Collection of the artist
© Courtesy of Floris Neusüss

A continuación podéis ver un vídeo en el que el mismo Neusüss explica el proceso de elaboración

de esta fotografía:

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Floris Neusüss from Victoria and Albert Museum.

SUSAN DERGES (Londres, 1955)

Durante los años 90 Susan Derges fue bastante conocida por sus fotogramas de agua, realizados bajo la luz de la luna y en un espacio natural. Como si se tratara de un laboratorio fotográfico, Susan sumergía papeles emulsionados dentro del agua atrapando todos los movimientos del agua en sus fotografías. El agua como motivo clave de su obra guarda una significación especial para la artista como metáfora de la transformación.

El vídeo que vemos a continuación muestra todo el trabajo previo antes de salir por la noche al laboratorio fotográfico de la naturaleza.

Susan Derges from Victoria and Albert Museum.

ADAM FUSS (Londres, 1961)

Fue de forma casi accidental como Adam Fuss descubrió los fotogramas y a partir de aquel momento se interesó por experimentar y buscar otros procesos o formas de fotografiar sin la ayuda de la cámara.

El artista define su trabajo no como una forma de reproducir lo que aparece de forma obvia ante nuestros ojos, sino de mostrar y descubrir aquello que nos vemos y que permanece invisible a nuestros ojos.

Uno de sus primero fotogramas realizados en el laboratorio dibuja sobre el papel fotográfico diferentes círculos concéntricos. Esta obra Ark, fue creada de una forma similar a como ha trabajado Susan Derges pero dentro del laboratorio fotográfico. Adam colocó un papel fotográfico dentro de una bandeja cubierta con agua y dejó caer dentro una gota de agua. En ese momento la luz comenzaba a grabar aquel acontecimiento, haciendo visibles las sutiles ondas creadas por el movimiento de una simple gota de agua.

Para Adam, esta gota de agua contiene una significación añadida, más relacionada con lo metafísico. Como una sola gota de agua es capaz de generar un movimiento infinito a través de ondas. Es como la primera gota de lluvia que anuncia el diluvio. Este tipo de ondas concéntricas pueden encontrarse también en las pinturas de Hilma af Klint, un místico sueco con el que Adam Fuss se siente bastante identificado.

En general, todo guarda cierta vinculación con los recuerdos de su infancia y sus experiencias vividas. Su trabajo se concibe como elegías visuales centradas en temas universales como es la vida y la muerte y que en sus fotografías aparecen representadas con diferentes elementos y formas.

Adam Fuss from Victoria and Albert Museum

PIERRE CORDIER (Bruselas, 1933)

Descubrió uno de los procesos fotográficos denominado “quemigrama” en 1956. Durante muchos años se ha dedicado a explorar las posibilidades de esta técnica más dentro del campo experimental que artístico.

Los trabajos se acercan más al grabado o a la pintura que a la fotografía. Cordier sustituye el lienzo por el papel fotográfico. Como si se tratara de una plancha de grabado utiliza barnices, cera, pegamento, aceite o yema de huevo para reservar zonas y dejar visibles aquellas por donde la luz pasa. La superficie del papel después es trabajada, bien creando dibujos o realizando incisiones o incluso escribiendo texto sobre la superficie emulsionada. Una vez terminado se revela y fija en el laboratorio para obtener la imagen final.

Pierre Cordier from Victoria and Albert Museum .

GARRY FABIAN MILLER (Bristol, 1957)

Su preocupación principal es la luz, el tiempo y como combinar ambas en lo fotográfico. Muchas de sus obras exploran el paso del tiempo a través del ciclo de un día, de un mes o incluso de un año, pero además sugieren el paso del tiempo a través de la historia, el espacio y lo desconocido.

En las fotografías podemos ver series en las que una misma forma aparece repetida pero sensiblemente cambiada tras el paso del tiempo. Una hoja o un pétalo pueden ser motivos para mostrar esa transformación de su forma y de su color. Las series hacen visible a nuestros ojos ese cambio a través de sutiles transformaciones naturales.

Garry Fabian Miller from Victoria and Albert Museum.