(In) videncias

El proyecto realizado por Raimon Solà en colaboración con la Asociacion Catalana para la Integración del Ciego(ACIC) financiado por La Fundación La Caixa es uno de los trabajos que han inspirado en la línea de investigación sobre la que actualmente estoy trabajando para la tesis y considero importante compartirlo con vosotros en este blog.

Otros artistas, a los que hemos dedicado ya un espacio en este blog, como Sophie Calle, Javier Téllez y Pak Sheung Chuen indagan sobre la percepción invidente a través de diferentes estrategias representativas para llegar a la imagen.

Fotografía de Raimon Solà

La propuesta de Solà se añade a las comentadas como un testimonio fotográfico que se aproxima a la cotidianidad de las personas invidentes en su relación con el espacio íntimo y urbano interesándose por la relación entre la invidencia y el mundo de las imágenes. Posteriormente esas fotografías son compartidas con sus protagonistas, los ciegos que posan ante la cámara y nos sirven para entender el enfrentamiento de una imagen fotográfica ante la mirada del que no puede ver.

Las sesiones de debate y diálogo ante las fotografías son claves para empatizar con su percepción y además son un reclamo para la accesibilidad del invidente a la cultura y al arte. Precisamente es uno de los temas que se discute y del que extraigo el comentario de uno de lo participantes. Rescata una visita al museo de Van Gogh en la que primero le van describiendo cada una de las obras, pero después aquellos que van con él discuten de la obra y él escucha. Precisamente esa discusión resulta ser más significativa que la propia descripción. Podemos cuestionarnos por qué? Las lecturas que cada uno hace, generan diversas interpretaciones y éstas se discuten.De nuevo volvemos a la parábola del elefante y los seis ciegos que nos presenta Téllez. Esa discusión resulta más significativa que la propia descripción para aquel que no puede ver porque en la escucha suma todas esas lecturas construyendo la imagen del cuadro de Van Gogh.

En el siguiente vídeo podéis ver muy bien reflejados los interrogantes que el invidente se cuestiona ante la lectura del mundo de las imágenes.

Solà ofrece el contacto con fotografías que son sus propios retratos acercándolos no sólo como objeto fotográfico sino a través de una lectura. Esta descripción más bien formal habla de la luz, el color, de cómo el formato condiciona esa composición   enfrentando de nuevo al espectador ciego a la recreación mental de conceptos visuales. Esta descripción nos hace pensar que la lectura de una imagen independientemente de la disciplina, es esencial para el imaginario del invidente. No hay duda que una descripción debe contener otros aspectos que identifiquen imagen con espectador para acortar distancias entre el sujeto y la fotografía. En relación con este tema quería escoger una de las fotografías de Solà, una de las que más me inspiran y conciencian sobre la mirada del invidente.

Esta mujer puede leer un libro en la más completa oscuridad mientras que para aquellos que vemos resultaría imposible leer sin algo de luz. Del mismo modo las imágenes son accesibles para los que vemos y sin embargo inaccesibles visualmente para el que no ve.

Fotografías de Raimon Solà

Todas las imágenes incluidas en este post se han tomado de la página web de Raimon Solà donde podéis ver con más detalle otras imágenes de este proyecto, así como otras propuestas fotográficas.

Where We Come From

Es el título de otro de los trabajos de la artista Emily Jacir realizado en el año 2003 junto al "Diario de Linz"que comentamos anteriormente .

Where We Come From es uno de sus trabajos más conocidos y que aborda con una propuesta artística llena de deseos inalcanzables de cientos de exiliados palestinos. Jacir consciente de su origen palestino y de la fortuna de poseer una pasaporte americano, que le permite moverse sin dificultad entre los territorios afectados por el conflicto político palestino israelí, plantea hacer realidad los deseos de algunos palestinos que no pueden volver a sus hogares.

La imposibilidad de acceder al espacio donde uno ha nacido y es considerado como su hogar es descrita como una forma de mutilación en el que despoja al individuo de un contexto que le es propio de algún modo. Es evidente la importancia de ese vinculo social y cultural que se crea en los espacios donde uno ha nacido y vivido,donde permanecen vivos todos los recuerdos y las raíces de cada individuo. La necesidad de Jacir por crear una conexión entre la tierra prohibida y la tierra prometida nos hace sentir y entender esa separación forzosa entre  el ser humano y  su tierra natal.

Jacir recoge peticiones escritas de palestinos exiliados para conseguir hacerlas realidad. Resulta curioso comprobar como gran parte de esos deseos son hechos banales de la vida diaria y que de algún modo buscan esa proximidad y cotidianeidad con un entorno que sueñan con que fuera el suyo propio.  Los textos están traducidos al inglés para que ese texto no sólo sea el deseo del que lo escribe, sino porque este fragmento de texto también forma parte de una propuesta artística y cualquier espectador pueda enfrentarse a él como obra.

  

La respuesta visual a esta petición se traduce en una fotografía que Emily realiza como prueba de que ese deseo esta cumplido. Pienso que escoger la fotografía como medio visual para hacer realidad ese deseo tiene una doble intención.
Por un lado la fotografía es una representación de esa realidad que inconscientemente le aportamos una veracidad, es el documento visual que prueba que ese deseo se ha hecho realidad. Por otro lado la fotografía es evocadora de recuerdos y es como crear una imagen para incorporar al álbum familiar donde están guardados todos esos momentos especiales que has vivido y que al contemplar la imagen quisieras revivir.

La artista presenta conjuntamente los textos y las imágenes que representan esos deseos ya cumplidos. La fotografía es al mismo tiempo un documento, un recuerdo y una imagen construida a partir de la performance de una artista.

Empatizar con los sentimientos de quienes lo escriben es  entender la distancia que separa el texto y la imagen  y que como espectadores con un simple movimiento de ojos conseguimos satisfacer esos deseos que se convierten en propios. La repetición de esos textos y de las imágenes permiten al espectador de la obra interconectar todas las historias para llegar a entender cómo se siente al no poder moverse y vivir alejado del lugar que forma parte de uno.
Aquí os dejo algunas imágenes que forman parte de la misma obra para que podías conectar entre sí las diferentes imágenes que narran deseos hechos realidad. 

Fuente de las imágenes de la obra Where We Come From de Emily Jacir

Desire in Diáspora: Emily Jacir. Art Journal 62, nº4 (Winter 2003)

El diario de Linz

Después de unas semanas de ausencia, vuelvo de nuevo a mi compromiso de actualizar el blog y traer información sobre artistas y proyectos fotográficos de interés.

"Observados" era la muestra fotográfica que se presentaba hasta hace unas semanas en la sala de exposiciones de la Fundación Canal de Madrid. Esta misma muestra también ha sido expuesta en el Museo de Arte Moderno de San Francisco durante el año pasado.


La  exposición reunía fotografos/as bien conocidos/as como Walker Evans, Cartier Bresson, Helen Levitt, Sophie Calle, Robbert Mapplethorpe y Miroslav Tichy entre otros. Sin embargo, para este post voy a hablaros de una artista no tan conocida y que su trabajo me llamó especialmente la atención. Se trata de Emily Jacir, una mujer palestina y americana con una trayectoria artística más que consolidada. Jacir utiliza la fotografía en sus proyectos artísticos aunque  no se trata de una fotógrafa sino de una artista que utiliza la imagen de un modo especial. Detrás de cada una de sus fotografías hay un gran proyecto que juega con lo artístico y lo narrativo mostrando una evidente preocupación por  la situación de Palestina como en "Where We Come From"(2003) del que hablaré en otra ocasión.

"Diario de Linz" era la obra de Jacir que se incluía en la sección de vigilancia de la exposición "Observados" . La obra contiene una serie de 26 imágenes de 20 x 20 cm tomadas desde una webcam, concretamente de la webcam de Linz. Las 26 fotografías colocadas en dos filas son 26 imágenes de la misma plaza de la ciudad austriaca y desde el mismo punto.  La mayor parte de las imágenes fueron tomadas a las 18 horas , a excepción de dos de ellas  a las 17 horas y a las 12 horas. Casi de un vistazo piensas que se trata de la misma imagen repetida, sin embargo, cada imagen es diferente pues la luz y los detalles de la imagen revelan que se trata del mismo espacio en diferentes momentos del día. Podíamos dejarlo aquí, sin embargo, la clave para la comprensión de esta historia está junto al texto que acompaña cada imagen. Emily se fotografía conscientemente a la misma hora en el mismo sitio  aunque en posiciones diferentes durante los meses de octubre y noviembre de 2003. El pequeño texto de cada imagen se lee como una historia que nos seduce y nos va contando anécdotas, historias del lo que pasa en ese lugar y como se siente mientras tratamos de identificarla entre las personas que aparecen en la imagen.

La verdad es que me llamaba la atención no sólo la imagen, sino como ese texto puede transformar y conducir la significación de cada una de esas fotografías.  En otra ocasión he hablado sobre esta relación entre texto e imagen y sus posibilidades.  Sin embargo, aquí convierte la imagen en algo bien distinto alguien que quiere verse vigilado y hacernos partícipes de todo lo que sucede mientras tanto. Habrá quien prefiera dejar una imagen sin palabra para que sea el espectador el que la  interprete a su modo y también quien crea que ese texto  que acompaña a la imagen la convierte en una imagen con una narración original y propia. El espectador comprende el mensaje del artista pero al igual que en la poesía sigue siendo libre de apropiarse de lo que le interese.

Para terminar con la obsesión de Emily Jacir sentía curiosidad por ver ese espacio aunque fuese virtualmente. De modo que he encontrado una imagen desde la que se puede apreciar desde donde fueron tomadas esas fotografías de Emily en Linz. Os dejo averiguar donde podría estar esa cámara.

- "Observados" en la Fundación del Canal de Isabel II

-"Exposed. Voyeurism, Surveillance, and the Camera Since 1870" en el Museo de Arte Moderno de San Francisco.

"Letter on the blind.For the use of those who see"

Aunque este blog se centra en la creación de fotografías quisiera comentar el trabajo "Letter on The Blind. For the use of those who see". Una película de 16 mm en blanco y negro, de 27 minutos de duración realizada por el artista venezolano Javier Téllez y que bien seguro entenderéis la conexión e interés que tiene para la construcción de imágenes.


Os introduciré brevemente a Javier Téllez, artista venezolano que desarrolla propuestas colaborativas junto con pacientes de diferentes centros psiquiátricos a los que regala una propuesta o idea creativa con la que trabajar conjuntamente para genera una nueva creación. La infancia del artista discurre en contacto con la enfermedad mental y el museo, lo que ha propiciado que Téllez desarrolle su obra bajo esta otra mirada.

Generalmente su trabajo se inspira en la narrativa de piezas cinematográficas o literarias, las cuales transforma en una nueva obra contada y creada conjuntamente. Aunque en muchas ocasiones se hace mención a clásicos del cine y a la enfermedad mental, en este post hablaremos de la invidencia y la creación de imágenes con la obra "Letter On The Blind.For the use of those who see".

Téllez tomó como título, la obra con el mismo nombre de Denis Diderot en la que plantea la cuestión de la percepción a través de otros sentidos y cómo distinguirlo que es arte y lo que es real. Al mismo tiempo Téllez utiliza el cuento oriental del elefante y los seis ciegos para la representación de esta obra. Aunque no me detengo aquí en contarlo , bien merece su lectura.

La versión contemporánea se desarrolla en el parque Mc Carren de Brooklyn en donde Téllez reune a seis ciegos y a un elefante. Durante el vídeo se puede ver a los seis ciegos sentados delante del animal en espera de su turno para "experimentar sensorialmente" y conocer a un elefante de verdad. Uno a uno se van aproximando para tener su experiencia real con el animal. Se repite esa parábola asiática en la que cada uno tiene su forma de experimentar, de describir e interpretar esa realidad. Me llama la atención como el carácter y la actitud de cada uno de los individuos influye notablemente en la forma de percibir lo desconocido. Se pueden ver distintas formas de aproximarse, de contemplar aquello que tenemos delante a través de nuestros sentidos y de generar una imagen mental sobre lo que apreciamos. Hay quien termina pensando que se ha tratado de una experiencia agradable o desagradable aún tratándose de lo mismo.

En el vídeo se puede ver como cada uno de los ciegos va describiendo esa experiencia mientras entra en contacto con el elefante. Además de las descripciones que hace cada uno resulta clave la voz en off en donde cada uno resume su experiencia en una frase.

Uno concluye que no fue un sentimiento agradable mientras otro de los ciegos pensaba que mientras lo abrazaba sentía el cuerpo del elefante como si se tratase de las olas del mar. No hay duda de que la percepción sensorial construye una imagen visual sobre lo percibido aunque la información no haya sido experimentada a través de la visión.

Os recomiendo ver el documental del artista para conocer más sobre su obra y otro post sobre el artista en el siguiente blog.

Más información:

Más sobre esta obra de Javier Téllez.

MUSAC

Galería Peter Kichmann

PH15

Es una organización sin ánimo de lucro que trabaja con la fotografía como herramienta de cambio social en barrios desfavorecidos de Argentina.

El pasado año estuve en una conferencia sobre proyectos de fotografía social en la Fundación La Caixa donde Moira Rubio,  actual directora de ph15, explicaba el proyecto social.

Comenzó por el significado del nombre de la organización.

 Ph: photography  en inglés es la escritura con luz. La fotografía como medio o lenguaje de expresión artística con el que chicos y chicas de Ciudad Oculta tienen la posibilidad de  expresarse y conocerlo de cerca, bien a través de talleres y propuestas artísticas. El grupo ph15 cree firmemente que la fotografía sirve como elemento positivo en el desarrollo social, psicológico y humano de los niños y niñas que viven en contextos desfavorecidos, convirtiéndose  además en una herramienta de cambio social. Ph15 es un proyecto que nace precisamente en la villa 15, una de las villas marginales de Buenos Aires en Argentina.

Ayelen Duarte

El trabajo de la asociación no sólo se encarga de impartir talleres de fotografía  y vídeo para los habitantes de la villa 15, sino que además de los contenidos fotográficos, potencia la autoestima para un adecuado desarrollo del individuo. La educación en ph15 trata de implicar a todos sus participantes en el conocimiento y trabajo con la imagen para posibilitarles un futuro en el mundo de la fotografía o bien para convertirse en colaboradores y formadores de la propia asociación. Resulta significativo como la asociación es capaz de gestionar la formación a formadores tratando así de dar continuidad al proyecto y extendiéndose a otro tipo de contextos desfavorecidos del país.

Me gustaría comentar en qué consiste la formación de estos talleres y la planificación  de sus sesiones para el conocimiento fotográfico.

El trabajo de ph15 incluye talleres monográficos de fotografía donde uno aprende a manejar una cámara fotográfica, a crear una cámara estenopéica y a conocer como es el proceso analógico del laboratorio fotográfico.

También se desarrollan otro tipo de propuestas a través de la fotografía con un contenido más etnográfico como es conocer las religiones que habitan la villa, o más medioambiental fotografiar el espacio urbano y conocer el uso de esos espacios en el barrio.

Algo que me parece interesante dentro de este proceso de enseñanza de la fotografía, es tener una puesta en común del trabajo  fotográfico final realizado por cada uno de los participantes de los talleres. No resulta nada fácil hacer una crítica de las fotografías tomadas por uno mismo y de las de los compañeros. El objetivo es valorar el trabajo propio y el ajeno  con ánimo de compartir modos de ver e intercambiar  ideas sobre como mejorar futuras imágenes. En la puesta en común se aprende a ver fotografías  a través de la mirada del otro y descubrir cosas nuevas  en un contexto que aparentemente tiene pocas oportunidades de aprendizaje.
Detallamos algunos objetivos que sintetizan el trabajo de ph15:

· Brindar oportunidades para que los jóvenes se expresen a través de la fotografía  fortaleciendo así sus capacidades y autoestima.

· Ofrecer un espacio que establezca el vínculo entre jóvenes donde se fomentan valores democráticos y de colaboración.

· Utilizar el arte como una herramienta de reflexión y transformación social.

·   Convertir la fotografía en punto de partida de la formación educativa y personal para concienciarles de las oportunidades que la sociedad puede ofrecerles y lograr su integración laboral y social.

A continuación podéis ver imágenes de los chicos y chicas de la villa 15 tomadas de ph15.

María González

Pablo Danese

Pablo Danese

Yamila

Belén

Sasha Sánchez

Para más información:

Ver otras obras de chicos y chocas de PH15

-La Plata: 

"Programa de Fotografía y Acción Social"

Muestra de talleres de Altos de San Lorenzo. Fotografía y acción social.

A travel without Visual Experience (#4)

Esta obra pertenece a la exposición colectiva de fotografía "El poder de la duda" que se celebró en el Museo de la Fundación ICO con motivo de PHE 2011. Aunque la exposición terminó en septiembre me gustaría hablar sobre una de las obras que conecta perfectamente con la tesis que estoy realizando. Para comenzar os voy a describir cómo se presentaba la obra en la sala.

"Viajar sin experiencia visual (4#)" de Pak Sheung Chuen consistía en una instalación a la que se accedía a través de una cortina negra con un mensaje impreso.

Este mensaje toma sentido una vez que cruzas la cortina ya que en su interior no vemos en un principio nada, nos adentramos en la más completa oscuridad como ocurre en la instalación How It is? de Miroslaw Balka . Cuando entras en la gran caja de Balka sientes la oscuridad cada vez más presente que incluso llega el punto de desorientarte al caminar. Sin embargo, en la instalación de Pak es más bien al inicio cuando sientes la oscuridad, después la vista se va adaptando a las nuevas condiciones de luz y donde no se veía nada se comienza a sentir el espacio en el que estamos. Con la escasa luz que entra en el abrir y cerrar de la cortina de entrada, se percibe que nos encontramos en una sala llena de fotografías aunque resulta imposible apreciar por la ausencia de luz. Es entonces cuando la cámara fotográfica aparece y hay que fotografiar para mirar ya que el ojo no puede ver.

Estas son algunas de las fotografías que tomé en el interior y vemos que se trata de una pared llena de fotografías en la que aparecen retratos y detalles de rincones de algún lugar como los de las fotografías de viaje en el que miramos de forma peculiar a todo lo que nos rodea y lo fotografiamos.Llama la atención el papel de la pared tratando de imitar al de un espacio familiar más que el de una sala de exposiciones.

En esta instalación tenemos que mirar las fotografías a través de nuestras propias fotografías realizadas en la oscuridad. Esta misma invitación que sugiere el artista al espectador en la visita coincide con el concepto real de la obra. Hacer ver al espectador un espacio desconocido e inapreciable a través de la cámara fotográfica.

Según Pak Sheung "Con la intención de presentar mi experiencia como un viajero ciego tomando fotografías, he montado una habitación completamente oscurecida para mostrar las fotografías tomadas en Malasia. Los espectadores deben llevar sus propias cámaras para poder capturar las imágenes dentro de la habitación y visualizarlas al salir de ella"

Travel without a visual experience (#4) se realiza en su viaje a Malasia en el año 2008 que durante cinco días y cuatro noches se cubrió los ojos convirtiéndose en invidente. Este viaje sin visión comenzó en el trayecto de Hong Kong a Malasia y concluyó a su vuelta a Hong Kong. Su madre hizó de persona guía durante todo el trayecto y a la que podemos ver fotografiada por Pak con el rostro cortado en una de las imágenes anteriores.

Durante el viaje por Malasia, Pak siguió los itinerarios turísticos marcados tomando fotografías de todo aquello que le llamaba la atención y documentar fotográficamente los lugares que no podía apreciar visualmente pero que en su regreso a Hong Kong pudiera apreciar. Otros miembros del grupo también se encargaron de documentar con fotos y vídeo el viaje, pero desde la mirada del vidente. Además estas personas se convertían en espectadores de Pak y podían describir visualmente como le veían. Pak era fotografiado en los lugares típicos al igual que esas fotos que dan testimonio de nuestra presencia en los lugares visitados.Esta fotografía es un buen ejemplo y en la que se puede ver al artista posando delante de una iglesia rosada y en la que aparece también su madre.

Las fotografías de la instalación son una muestra de esa documentación visual tomada por los compañeros de viaje videntes y por Pak sobre el viaje. La colección de imágenes va acompañada de recuerdos y sensaciones invisibles. A la vuelta del viaje Pak tenía la sensación de no haber viajado nunca a Malasia, pero al cerrar los ojos inmediatamente la memoria reconstruía la experiencia.Se había construido un relato del viaje desde una mirada no visual.

El sonido se ha convertido en la referencia sensorial del viaje ya que a través de los sonidos me imaginaba otros viajes y recuerdos que me permitían recrear las imágenes que no veía y construirlas así mentalmente.

Lo interesante son las sensaciones y comentarios de Pak al observar toda esa documentación visual recogida. Al ver todas aquellas fotografías las sensaciones y percepciones del viaje surgen a través de las imágenes. Según Pak cuando apretaba el disparador tenía una imagen mental creada en mi cabeza y cuando después las veía imaginaba lo que me rodeaba en ese momento. La percepción del espacio y del cuerpo utiliza registros diferentes. El cuerpo sin visión también es capaz de registrar el mundo exterior.El sonido, el tacto de los pies y el suelo debajo de ellos. Sin duda la memoria y la imaginación se convierten en el experiencia de este viaje.

Catálogo de la exposición:VVAA(2011): El poder de la duda.Fundación Ico. Madrid: La Fábrica.

Más información sobre A travel without Visual Experience (#4)

Página web de Pak Sheung Chuen

El retrato ganador

Jooney Woodward ha resultado el ganador del conocido concurso de retratos fotográficos The Taylor Wessing Photographic Portrait Prize 2011 de entre las seis mil fotografías participantes que organiza la National Portrait Gallery de Londres, donde se realiza también la exposición de las fotografías seleccionadas y premiadas en el concurso.

Harriet and Gentleman Jack lleva por título la fotografía de Woodward que tomó en un evento parecido a las ferias temáticas que se realizan en los recintos feriales en España y que en este caso tuvo lugar the Royal Welsh Agricultural Show. La adolescente vestida con bata blanca es azafata de ese evento y lleva en sus manos un conejo de indias. La fotografía funciona por el color de pelo de ambos y sobre todo por ese gesto de la adolescente y cómo nos mira fijamente a través de la cámara.

Añado aquí un comentario de Woodward:

"I found her image immediately striking with her long red hair and white stewarding coat. She is holding her own guinea pig called Gentleman Jack, named after the Jack Daniel’s whisky box in which he was given to her. Using natural light from a skylight above, I took just three frames and this image was the first. There is something unsettling about the austere background and the scratch on her hand."

Después de ver esta fotografía ganadora, me preguntaba cómo serían las fotografías ganadoras de ediciones anteriores. A lo mejor para tratar de encontrar algún nexo entre las fotografías ganadoras, algo que las relacionara y entendiera qué es realmente lo que hace que sean estas las mejores fotografías.

En la edición pasada del 2010 fue David Chancellor el ganador Huntress with Buck en la que aparece también una adolescente pelirroja como en la anterior. En esta fotografía también hay animales aunque en este caso pertenecen a una escena de caza en la que ella tiene los cuernos del animal muerto en sus manos y tanto el animal cazado y la adolescente están montados sobre un caballo que mira y su gesto parece ser consciente de la presencia de una cámara fotográfica. Nos miran a través de la cámara y sus gestos nos sorprenden.

Según Chancellor: "The contrast between the peace and tranquillity of the location, plus Josie’s ethereal beauty and the dead buck, was what I wanted to explore. Here was a vulnerability and yet also a strength."

Y cómo último ejemplo he encontrado el primer premio del 2009 que fue para Paul Floyd Blake por la fotografía "Rosie Bancroft" imagen del proyecto"On Track for 2012".

Blake comenzó este proyecto en 2007 con la idea de fotografiar la evolución de posibles jóvenes atletas de los Juegos Olímpicos de Londres en 2012.Cada año hasta la fecha de la celebración del evento, Blake fotografía las fotografía en el camino de esa doble carrera olímpica y personal. Según Blake fotografiar a estas jóvenes promesas del deporte sirve para mostrar lo extraordinario a través de lo sencillo. Es el caso de esta fotografía ganadora en la que Rosie parece sentada en un vestuario con un gesto propio que se trata de una joven tratando de labrarse un camino que posiblemente marcará su futuro.

Según Blake:'The series is probably less about sport than it is about young people growing up and the transition from childhood into adulthood. These teenagers exist in this ultra-professional world that can often be very isolating. It is about them growing up and how the experiences they have now shape them for the future.'

Después de ver estas tres fotografías evidentemente parece que todas tienen en común la figura de una adolescente. Me parece importante mencionar la actitud de las jóvenes hacia la cámara y cómo cada uno de los fotógrafos es capaz de captar un gesto que describe rasgos del carácter de cada adolescente. Desde luego, esto no es tarea fácil y cada una de las fotografías hablan por sí mismas.

También me gustaría referirme a la composición de las fotografías no solamente a las que he descrito sino en general a todas las que pertenecen a la muestra. El retrato no sólo tiene que ver con el individuo que es retratado, sino también con ese fondo que forma parte del retrato . Algunos retratos son primeros planos centrados en el rostro y generalmente llevan un fondo plano que ayuda mirar una y otra vez el rostro. Otros se abren y el cuerpo está presente dando importancia también a un fondo que sitúa y cuenta algo de cada personaje. Lograr el equilibrio entre estos elementos es tarea del fotógrafo.

En el caso de Woodward el fondo aparece desenfocado e independientemente de conocer el espacio en el que se ha tomado la fotografía, el entorno nos ayuda a centrarnos en la figura de Harriet y en su conejo de indias. En el caso de Chancellor, el fondo aparece nítido pero no distrae la mirada de la atención principal formada por los animales y la adolescente. Ese entorno sin duda ayuda a contextualizar la escena y como dice el fotógrafo contrasta con lo que el retrato cuenta. Por último, la fotografía de Rosie tomada por Blake utiliza el espacio de vestuarios como el lugar idóneo para retratar a la atleta nadadora. El fondo está algo desenfocado pero se entiende que ese espacio tiene mucho que ver con el retrato jugando además con una iluminación que potencia el retrato de Rosie. También me llama la atención del gesto adulto de las manos y el rostro en contraste con el de los pies que es natural y claro para explicar quien es.

Por otro lado, me preguntaba cómo es el trabajo de Jooney Woodward, el ganador de la edición de este año e investigando en su página web me he encontrado con otras de las fotografías que forman parte de la serie realizada en el mismo evento en Royal Welsh Agricultural Show y que espero que después de leer lo anterior comprendáis por qué Woodward se decidió por escoger a Harriet and Gentleman Jack.

Más información:

Artículo sobre la fotografía ganadora en la edición 2011 en The Guardian

Portrait Prize 2011

Portrait Prize 2010

Portrait Prize 2009

Exposición de Woodward "Those bites of Wales left unseen"

Ver Young Olimpians de Blake

The National Portrait Gallery